Dopo anni di delusioni e promesse mancate, DICE torna finalmente a farci sentire cosa significa giocare a un vero Battlefield. E sapete cosa? Funziona. Funziona davvero bene. Battlefield 6 arriva sul mercato con una missione chiara: voltare pagina rispetto a Battlefield 2042 e riportare i giocatori a quando la serie era il re indiscusso degli shooter su larga scala. Il risultato? Un multiplayer che spacca, una distruttibilità ambientale che mette i brivid, un comparto tecnico che gira liscio come l’olio. E poi c’è la campagna single player che sembra assemblata da qualcuno che aveva tutt’altro per la testa.

Il team di sviluppo stavolta non è solo DICE ma un vero collettivo di studi chiamato Battlefield Studios. Dentro ci sono anche Criterion Games, Ripple Effect e Motive Studio. Ognuno si è preso un pezzo del lavoro e il risultato si vede soprattutto nel multiplayer. Nove mappe al lancio che funzionano davvero, un sistema di classi tornato alle origini, modalità vecchie e nuove che sanno come tenerci incollati allo schermo e quella sensazione di caos controllato che mancava da troppo tempo.

Ma non è tutto rose e fiori. La campagna è un pasticcio narrativo che sembra confezionata frettolosamente, l’intelligenza artificiale dei nemici non è il massimo e alcune scelte di design potrebbero far storcere il naso ai veterani della serie. Però, se amate gli shooter multiplayer e volete sentirvi nel mezzo di una guerra vera, questo è il vostro gioco.

Preparatevi a vedere edifici crollare sotto i vostri piedi, sentire il fischio dei proiettili che vi sfiorano la testa, urlare al vostro compagno di squadra di rianimarvi mentre un carro armato nemico sta per passarvi sopra. Benvenuti nella guerra totale firmata Battlefield 6.

La Campagna: Tanto Fumo e Poco Arrosto

Partiamo subito col botto: la campagna di Battlefield 6 è deludente. La storia ci porta nel 2027 in un mondo dove la NATO sta perdendo colpi. Il presidente viene assassinato e molti paesi europei decidono di mollare la coalizione. A quel punto salta fuori questa compagnia militare privata chiamata PAX Armata che inizia a raccogliere fondi e tecnologie da chi è uscito dalla NATO. All’inizio tutto sembra pacifico ma poi a qualcuno viene in mente di far partire una bella guerra globale. E noi ci ritroviamo nel mezzo come membri dei Dagger, una squadra d’élite che deve fermare questi mercenari.

Sulla carta sembra interessante ma nella pratica si rivela una noia mortale. Il villain principale risulta non pervenuto, i personaggi della nostra squadra sono esageratamente stereotipato: il duro di turno, il genio degli esplosivi, il cecchino misterioso e il medico che fa battute. Zero profondità. Zero evoluzione.

Le missioni sono nove in totale e si possono completare in circa 5 o 6 ore (dipende da quanto vi piace cercare i collezionabili). Ogni missione vi fa impersonare un membro diverso della squadra Dagger, quindi passerete dall’assalto al geniere alla ricognizione. È un bel modo per far capire al giocatore come funzionano le classi in multiplayer ma narrativamente non aggiunge niente.

Il gameplay della campagna ha i suoi momenti. Potete dare ordini semplici alla vostra squadra tipo far marcare i nemici dal cecchino o far esplodere una torretta dal geniere. La distruttibilità c’è e quando funziona è spettacolare. Potete far crollare edifici dove si nascondono i cecchini nemici o aprirvi un varco nelle pareti per sorprendere gli avversari. Peccato che il level design sia quasi sempre lineare. Provate a uscire dal percorso prestabilito e vi compare la scritta “torna indietro” con tanto di countdown. In alcuni casi ci sono persino dei muri invisibili che ci bloccano.

L’intelligenza artificiale, purtroppo, inciampa in troppe occasioni. I nemici corrono verso di noi diventando dei bersagli facili da colpire oppure restano fermi dietro coperture in attesa della kill. I nostri compagni di squadra sono utili solo quando gli date ordini specifici, per il resto potrebbero tranquillamente non esserci. Gli spawn point nemici talvolta finiscono col essere esilaranti. Capita, infati, spesso di vedere soldati materializzarsi dal nulla davanti ai nostri occhi.

C’è da dire che il gioco cerca di variare con missioni a bordo di carri armati o in scenari più ampi. Le missioni 8 e 9 sono le uniche che meritano davvero. La numero 8 vi mette in una grande vallata montana dove potete muovervi liberamente con i quad e decidere in che ordine distruggere tre siti antiaerei. Potete andare furtivi o sparare a tutto quelle che si muove e non. È quello che tutta la campagna avrebbe dovuto essere. La missione 9 invece è caos puro con veicoli, elicotteri e fanteria che si scontrano in uno scenario hollywoodiano di guerra totale. Se quelli di Battlefield Studios fossero riusciti a mescolare la libertà della missione 8 con la spettacolarità della 9 saremmo qui a celebrare una campagna memorabile.

Il consiglio? Giocatela a difficoltà Veterano per sentire almeno un minimo di sfida. Completate qualche sfida per sbloccare le ricompense. E poi lasciatevela alla spalle e buttatevi nel caos del multigiocatore, dove il gioco mostra il meglio di se.

PRO:

• le missioni 8 e 9 mostrano il potenziale di cosa avrebbe potuto essere la Campagna di Battlefield;
• la distruttibilità quando funziona è spettacolare;
• sistema di ordini alla squadra semplice ma funzionale;
• utile per fare rodaggio con le classi prima del multigiocatore;
• sfide che sbloccano contenuti per l’online.

CONTRO:

• storia sterile e personaggi senza personalità;
• villain senza la carisma tipica del cattivo di turno;
• intelligenza artificiale assolutamente fuori standard;
• level design lineare con muri invisibili un po’ ovunque;
• durata di sole 5-6 ore.

Il gameplay: dove Battlefield mostra i muscoli

Adesso parliamo di quello che conta davvero. Il multigiocatore di Battlefield 6 è quello che i fan chiedevano da anni. È un ritorno alla formula che ha reso leggendaria la serie, con qualche tocco di modernità. E funziona alla grande.

Il feeling con le armi è fantastico. Ogni fucile ha un peso specifico, ogni mitragliatrice ha un rinculo che dovete imparare a controllare. I fucili da cecchino richiedono pazienza e precisione e quando mettete a segno un colpo a lunga distanza sentite quella soddisfazione che vi fa dipingere un ghigno di soddisfazione. Il gunplay è reattivo e preciso, sparare in questo gioco restituisce delle sensazioni positive.

Il time to kill è stato abbassato rispetto ai vecchi Battlefield. Significa che i nemici muoiono più velocemente e gli scontri sono più immediati. Alcuni veterani della serie potrebbero storcere il naso perché il gioco si avvicina al feeling di Call of Duty, ma la verità è che funziona. Gli scontri sono frenetici ma non caotici e soprattutto la scala rimane quella tipica di Battlefield, con 64 giocatori totali divisi in due squadre da 32.

Il movimento del soldato è stato migliorato tantissimo. Possiamo scivolare, correre da abbassati e arrampicarci con più fluidità. Non è pesante come i vecchi capitoli ma non è nemmeno un’arena shooter dove tutti saltano come canguri. È il giusto equilibrio tra realismo e divertimento.

Torniamo al sistema delle classi e qui quelli di BF Studios ha messo a segno il loro miglior colpo. Si torna alle quattro classi storiche: Assalto, Geniere, Supporto e Ricognitore. Ognuna ha gadget specifici che forniscono il cd. Vantaggio Competitivo. L’Assalto è perfetto per sfondare le linee nemiche con fucili d’assalto e scale d’assedio per raggiungere i piani alti degli edifici, il Geniere ha lanciarazzi per distruggere i veicoli e un saldatore per ripararli, il Supporto è il medico e il rifornimento della squadra con mitragliatrici pesanti e muri mobili per creare coperture e il Ricognitore marca i nemici con droni e binocoli ed elimina bersagli a distanza.

La novità più discussa è che ora ogni classe può usare qualsiasi tipo d’arma. Nei vecchi Battlefield dovevamo scegliere la classe in base all’arma che si voleva usare. Adesso possiamo essere un ricognitore con un fucile d’assalto se vogliamo. Questo ha fatto discutere la community ma in realtà ci è sembrata una scelta intelligente. Ora possiamo costruire il nostro  soldato come vogliamo senza rinunciare ai gadget della classe di riferimento.

Ogni classe ha un percorso di addestramento base, con abilità passive tipo velocità di recupero salute o velocità di riparazione veicoli. Salendo di livello sblocchiamo l’addestramento avanzato che migliora queste skill e ne aggiunge di nuove. Il sistema di progressione funziona bene e ci dà sempre qualcosa da sbloccare.

La vera star del gameplay però è la distruttibilità tattica. Mai come prima la serie ha spinto così tanto su questo aspetto. Gli edifici non crollano più solo in eventi scriptati. Qui possiamo far crollare facciate intere di palazzi per seppellire un carro armato nemico, demolire ponti per tagliare vie di fuga, radere al suolo le coperture di un punto di controllo per esporre i difensori. Il terreno si deforma con crateri da esplosione, i muri vengono sfondati e i pavimenti crollano su se stessi. L’aspetto pià interessante è che la distruzione è imprevedibile. Stiamo collezionando kill con il cecchino in cima a una gru? State pur certi che qualcuno farà crollare la gru per trascinarci giù. Siamo al riparo in un edificio? Qualcuno può far crollare la facciata e seppellirci sotto le macerie. Avete visto un elicottero alleato schiantarsi contro un palazzo portando giù l’intera struttura? Ecco questa è l’esperienza Battlefield. È spettacolare da vedere ma soprattutto cambia completamente il modo in cui giocate.

Il gioco di squadra è fondamentale e viene premiato. Potete trascinare un compagno ferito dietro una copertura prima di rianimarlo. È una piccola aggiunta ma cambia tutto nelle situazioni sotto pressione. Possiamo piazzare scale da corda per creare accessi verticali, usare barriere mobili per fortificare posizioni e marcare nemici con droni per tutta la squadra (e nel mentre collezioniamo punti esperienza per tutto questo).

I veicoli sono tornati protagonisti ma con un equilibrio diverso. Carri armati e jeep dominano nelle mappe aperte ma sono vulnerabili nelle zone urbane dove la fanteria può colpirli dai tetti. Gli elicotteri e i jet sono devastanti nelle mani di piloti esperti ma la contraerea li tiene a bada. È un equilibrio che ancora necessita di qualche aggiustamento ma funziona.

Il comparto tecnico merita un paragrafo a parte perché è semplicemente eccezionale.  L’ottimizzazione è un miracolo considerando la quantità di elementi a schermo. Certo, le texture di alcuni ambienti sono un gradino sotto la bellezza di Battlefield 2042, ma è un compromesso che si accetta volentieri per avere fluidità perfetta e distruzione su vasta scala.

E poi c’è il sound design che è semplicemente il migliore del genere. Ogni arma ha un suono unico che la rende riconoscibile. Le esplosioni hanno un peso e una profondità da brividi (sempre che giochiate cuffia-muniti). Il sistema audio posizionale è perfetto e vi permette di capire esattamente da dove arrivano i colpi. Se giocate con cuffie di qualità l’esperienza cambia radicalmente: possiamo sentire il sibilo dei proiettili che ci sfiorano, il rombo delle esplosioni che si propaga diversamente all’aperto o negli edifici, le comunicazioni radio che si sovrappongono alle urla. È una sinfonia di guerra che vi immerge totalmente.

PRO:

• gunplay reattivo e soddisfacente con armi che hanno personalità;
• sistema delle classi tornato alle origini e funzionale;
• armi libere per tutte le classi che aumentano la personalizzazione;
• distruttibilità tattica mai vista prima nella serie;
• movimento del soldato fluido e bilanciato;
• sound design che stabilisce un nuovo standard di qualità;
• time to kill bilanciato tra velocità e tattica;

CONTRO:

• time to kill più basso potrebbe non piacere ai puristi;
• veicoli ancora da bilanciare nelle mappe urbane;
• alcune texture ambientali meno definite di BF2042;
• mancano scenari navali e battaglia in mare.

Modalità e mappe: il cuore pulsante del gioco

Battlefield 6 offre un arsenale di modalità che spaziano dai grandi classici alle novità assolute. E ogni modalità ha senso di esistere, non ci sono riempitivi o esperimenti buttati lì tanto per fare numero.

Le modalità Guerra Totale sono quelle che tutti conosciamo e amiamo. Conquista è il pilastro della serie e qui funziona alla perfezione. Due squadre da 32 giocatori si contendono punti di controllo sparsi per la mappa, chi mantiene il controllo della maggioranza dei punti prosciuga i ticket nemici fino alla vittoria. È battaglia pura su larga scala con veicoli, fanteria e caos controllato. Sfondamento invece ha una squadra che attacca e una che difende settori progressivi. Gli attaccanti devono conquistare tutti i settori prima che finiscano i rinforzi mentre i difensori devono resistere. È più strutturata e tattica rispetto a Conquista.

La vera novità è Escalation ed è geniale. Funziona come Conquista ma con una svolta. Quando una squadra mantiene la maggioranza delle bandiere parte un timer, se quest’ultimo si esaurisce quella squadra guadagna un punto cruciale. Dopo ogni punto vinto l’area di gioco si restringe e i punti di controllo diminuiscono. La battaglia diventa progressivamente più intensa e claustrofobica, in un crescendo di tensione che elimina i tempi morti e tiene tutti costantemente impegnati.

Poi ci sono le modalità Logoramento pensate per mappe più piccole e scontri più concentrati. Team Deathmatch e Squad Deathmatch sono classici intramontabili. La prima è tutti contro tutti divisi in due squadre. La seconda è 4 contro 4 in spazi ristretti. Dominio ci fa conquistare e mantenere zone specifiche guadagnando punti nel tempo. Re della Collina invece ha una singola zona contesa che si sposta durante la partita.

La cosa bella è che Battlefield 6 funziona benissimo anche in queste modalità più piccole. Il gunplay preciso e il movimento fluido rendono divertenti anche gli scontri ravvicinati. Non è solo questione di veicoli e mappe enormi, anche le battaglie di fanteria pura hanno il loro perché.

Le nove mappe disponibili al lancio sono il vero punto di forza. Battlefield Studios ha fatto una scelta precisa: mappe di medie dimensioni molto dense invece di lande desolate giganti come in Battlefield 2042. Il risultato è che l’azione è costante. Non si passano mai minuti a camminare nel vuoto, c’è sempre qualcosa che succede.

L’aspetto geniale è insito nel design modulare. Le stesse mappe funzionano sia per le modalità Guerra Totale che per il Logoramento. Semplicemente usano porzioni diverse dello stesso scenario. Offensiva Iberica, per esempio, è ambientata in una cittadina sullo Stretto di Gibilterra. In Conquista giocate sull’intera città, con strade ampie per i carri e vicoli per la fanteria. In Dominio invece ci si muove solo in un quartiere specifico, con combattimenti più concentrati tra i cortili e le palazzine.

Assedio del Cairo vi porta tra le strade della capitale egiziana in uno scenario urbano intenso. Fanteria e mezzi corazzati si contendono i quartieri principali, tra barricate e strade devastate. È caotica nel senso migliore del termine. Picco della Liberazione invece è una mappa montana enorme, con elicotteri e jet che dominano i cieli. Le due squadre partono da estremità opposte e si contendono il picco centrale. È vasta e permette tante strategie diverse.

Empire State vi riporta a New York ma è dedicata solo alla fanteria. Combattimenti ravvicinati tra vicoli, negozi accessibili, un museo e un parco lungo il fiume. Zero veicoli e focus totale sugli scontri a fuoco. Ponte di Manhattan invece è sempre a New York ma su scala maggiore con carri blindati, jeep ed elicotteri. Possiamo combattere sia per le strade che sui tetti dei grattacieli.

Saints Quarter è una città europea colorata piena di piazze e fontane dove si combatte esclusivamente a piedi. È pittoresca e brutale allo stesso tempo. New Sobek City è un complesso di palazzi in costruzione nel deserto. Arena perfetta per veicoli corazzati e cecchini appostati sui piani alti.

Le due mappe più grandi sono Valle di Mirak e Operazione Firestorm. La prima è una vallata tra montagne con villaggi distrutti, trincee e campi coltivati, la seconda, invece, è un classico della serie rinnovato con la gigantesca struttura di estrazione e la ciminiera infuocata al centro circondata da sabbia e impianti industriali. Entrambe hanno piste di decollo per jet ed eliporti quindi gli scontri aerei diventano fondamentali.

C’è da notare che mancano scenari marittimi o navali. Niente battaglia in mare o su portaerei ed è un’assenza che si sente per chi amava quelle dinamiche. Ma le nove mappe presenti sono così ben fatte che la loro mancanza si dimentica con facilità (almeno in questa finestra post lancio).

Il design delle mappe favorisce la densità degli scontri ma c’è una predominanza di ambientazioni urbane. Questo fa brillare la distruttibilità del motore Frostbite ma limita un po’ la varietà strategica. I veicoli corazzati sono vulnerabili tra i palazzi perché la fanteria può colpirli facilmente dai tetti con lanciarazzi. Alcuni giocatori potrebbero sentire la mancanza di mappe più aperte dove i carri dominano. Ma nel complesso l’offerta è solida. Nove mappe che funzionano in modalità diverse, design modulare intelligente, varietà di ambientazioni anche se con focus urbano e soprattutto azione costante senza tempi morti. È quello che un multiplayer moderno dovrebbe offrire.

PRO:

• nove mappe solide e ben progettate al lancio;
• design modulare che adatta le mappe alle diverse modalità;
• varietà di ambientazioni da New York all’Egitto alle montagne;
• azione costante senza lunghe camminate nel vuoto;
• mappe medie dense invece di lande desolate infinite.

CONTRO:

• predominanza di ambientazioni urbane che limita la varietà strategica;
• mancano completamente scenari navali o di battaglia in mare;
• veicoli vulnerabili nelle mappe urbane (e ancora da bilanciare);
• solo nove mappe al lancio potrebbero sembrare poco per alcuni.

Il terzo capitolo della saga degli incubi arriva finalmente nelle mani dei giocatori dopo un’attesa carica di aspettative e qualche preoccupazione. Supermassive Games raccoglie il testimone lasciato da Tarsier Studios e lo fa con un approccio che oscilla tra il rispetto reverenziale e il tentativo di imprimere una propria firma. Il risultato è un gioco che funziona e intrattiene ma che non riesce a scrollarsi di dosso la sensazione di essere un’opera di passaggio piuttosto che un vero balzo in avanti per la serie.

Little Nightmares 3 presenta, per la prima volta nella saga, la possibilità di affrontare l’avventura in cooperativa online. Si controllano Low e Alone, due bambini perduti nella Spirale che cercano disperatamente una via d’uscita dal Nulla. Arco e chiave inglese in mano, i due protagonisti devono collaborare per superare enigmi ambientali e sfuggire a creature grottesche in un mondo che sembra uscito dai peggiori incubi dell’infanzia.

La direzione artistica rimane uno dei punti di forza assoluti e la componente sonora continua a lavorare magistralmente sul sottotesto dell’orrore. La cooperativa funziona discretamente anche se l’intelligenza artificiale mostra evidenti limiti quando si gioca in solitaria. Il gameplay risulta più semplice rispetto ai capitoli precedenti e la durata complessiva si aggira sulle quattro ore per completare la storia principale. Gli enigmi non brillano per originalità e il combattimento appare poco sviluppato e troppo guidato. Manca, inoltre, quella figura antagonista centrale capace di incarnare l’incubo come nei capitoli precedenti. La conservazione della formula originale è un’arma a doppio taglio: rassicura i fan ma impedisce al gioco di sorprendere davvero.

Storia e personaggi

La narrazione di Little Nightmares ha sempre giocato sulla suggestione più che sull’esplicitazione. Anche questo terzo capitolo mantiene fede alla tradizione, proponendo una storia allegorica che affonda le radici nelle paure infantili più profonde. Low e Alone sono due bambini che si risvegliano in un mondo ostile dopo aver attraversato uno specchio misterioso. La loro meta è la Spirale, un insieme di luoghi inquietanti che dovrebbero condurli fuori dal Nulla.

La scelta di introdurre due protagonisti che cooperano rappresenta una svolta rispetto alla solitudine che caratterizzava Six e Mono. Questa volta la paura diventa qualcosa da condividere e il legame tra i due bambini emerge più attraverso le azioni che tramite dialoghi o cutscene elaborate. Low indossa una maschera da corvo e impugna un arco mentre Alone veste una tuta verde da aviatrice e brandisce una chiave inglese. Le loro personalità emergono timidamente attraverso piccoli gesti come darsi una mano per superare un ostacolo o chiamarsi quando uno dei due si allontana troppo.

Il mondo che li circonda rimane fedele all’estetica della serie: adulti mostruosi intenti nelle loro ossessioni quotidiane e scenari che distorcono la realtà in chiave onirica. Si attraversano deserti abitati da creature impossibili, fabbriche di dolciumi che nascondono orrori dietro colori sgargianti e carnevali dove l’allegria si trasforma in incubo. Ogni ambientazione racconta una storia senza bisogno di parole e questo è uno degli aspetti che la saga ha sempre gestito con maestria.

Tuttavia manca quella tensione narrativa che nei capitoli precedenti cresceva fino a esplodere in momenti memorabili. La Signora del primo capitolo e Lo Smilzo del secondo erano figure antagoniste capaci di incarnare l’orrore dell’intera esperienza. In Little Nightmares 3 gli antagonisti sono numerosi ma nessuno riesce a lasciare un’impronta così profonda. Il Monster Baby che apre il gioco è visivamente impressionante ma non diventa mai l’icona che ci si aspetterebbe. La Supervisora della fabbrica di dolciumi rappresenta un interessante mix di burocrazia e follia ma compare troppo poco per risultare davvero minacciosa.

Il finale cerca di chiudere il cerchio con i capitoli precedenti ma lo fa in maniera che può risultare criptica per chi non conosce a fondo la lore della serie. È una scelta che premia i fan di lunga data ma rischia di spiazzare chi si avvicina per la prima volta al franchise. La sensazione generale è quella di un capitolo che funziona più come ponte narrativo che come storia autoconclusiva.

Pro e Contro – Storia e Personaggi

Pro:

• l’atmosfera onirica e inquietante della serie viene preservata con cura;
• il legame tra Low e Alone emerge in modo naturale attraverso il gameplay cooperativo;
• le ambientazioni continuano a raccontare storie senza bisogno di dialoghi espliciti;
• la direzione artistica dei nemici rimane di altissimo livello;
• i riferimenti alla lore precedente premiano i fan storici.

Contro:

• assenza di una figura antagonista centrale davvero memorabile;
• la narrazione risulta troppo criptica per i nuovi arrivati;
• il finale lascia molte domande senza risposta;
• i personaggi di Low e Alone mancano di profondità rispetto a Six;
• la storia non riesce a raggiungere picchi emotivi paragonabili ai capitoli precedenti.

Gameplay: cooperazione e compromessi

Little Nightmares 3 introduce la cooperativa online come elemento distintivo ma lo fa con risultati alterni. La possibilità di giocare con un amico rappresenta sicuramente una novità interessante per la serie e in alcuni momenti funziona bene. Risolvere enigmi coordinandosi con un’altra persona aggiunge una dimensione sociale che può rendere l’esperienza più coinvolgente. Il problema emerge quando si gioca in solitaria affidandosi all’intelligenza artificiale.

L’IA che controlla il secondo personaggio mostra evidenti limiti. Ci sono situazioni in cui il compagno rimane immobile invece di eseguire azioni necessarie per progredire. Chiamare il partner con l’apposito comando a volte aiuta ma altre volte non sortisce alcun effetto. Questa discontinuità spezza il ritmo del gioco e trasforma momenti che dovrebbero essere fluidi in sessioni di trial and error frustranti. Il fatto che l’IA alterni fasi di autonomia efficace a momenti di totale passività crea una sensazione di inaffidabilità che danneggia l’esperienza complessiva.

Gli enigmi ambientali rappresentano il cuore del gameplay come sempre nella serie. Si tratta principalmente di puzzle che richiedono di spostare oggetti, attivare meccanismi e coordinare le azioni dei due personaggi. Low può usare il suo arco per colpire bersagli distanti o tagliare corde mentre Alone impiega la chiave inglese per abbattere muri fragili o interagire con ingranaggi. Sulla carta le meccaniche funzionano e offrono varietà ma nella pratica risultano troppo semplificate rispetto ai capitoli precedenti.

La difficoltà complessiva è stata abbassata in maniera evidente. Gli enigmi raramente richiedono più di qualche minuto per essere risolti e spesso la soluzione è così palese da eliminare qualsiasi senso di soddisfazione quando si trova la risposta. Questo approccio rende il gioco più accessibile ma toglie quella componente di sfida che nei primi due capitoli creava tensione e coinvolgimento. L’introduzione dell’ombrello, come strumento per planare, rappresenta forse l’unica meccanica davvero riuscita ma viene abbandonata a metà gioco senza un motivo apparente.

Il combattimento fa la sua comparsa in Little Nightmares 3 ma in forma talmente basilare da sembrare un’aggiunta dell’ultimo minuto. Low può stordire i nemici con le frecce e Alone può finirli con la chiave inglese. Il sistema funziona in teoria ma nella pratica si riduce a sequenze guidate dove i personaggi puntano e colpiscono quasi automaticamente. Manca qualsiasi profondità tattica e dopo le prime volte diventa una routine priva di mordente.

Le sezioni stealth costituiscono buona parte dell’esperienza e qui Little Nightmares 3 mantiene gli standard della serie. Nascondersi dai nemici e studiarne i pattern di movimento crea quella tensione che ha sempre caratterizzato il franchise. Tuttavia, anche in questo caso, emerge una certa ripetitività. Le situazioni si susseguono senza variazioni significative e la sensazione di déjà-vu diventa sempre più forte man mano che si procede.

La durata rappresenta un altro punto dolente. L’avventura principale si completa in circa quattro ore e anche cercando tutti i collezionabili difficilmente si superano le sei ore. Per un gioco a prezzo pieno la proposta appare piuttosto risicata. La rigiocabilità è praticamente nulla perché scegliere l’altro personaggio non cambia nulla se non il punto di vista. Gli enigmi rimangono identici e non ci sono percorsi alternativi da scoprire.

Le fasi di fuga rappresentano i momenti più riusciti del gameplay. Quando il gioco abbandona gli enigmi e costringe a correre disperatamente mentre un mostro insegue si raggiungono picchi di adrenalina che ricordano i momenti migliori della serie. Purtroppo queste sequenze sono troppo rare e quando arrivano spesso risultano più frustranti che divertenti a causa di comandi non sempre reattivi.

Pro e Contro – Gameplay

Pro:

• la cooperativa online aggiunge una dimensione sociale interessante;
• l’ombrello come meccanica di planata funziona bene finché dura;
• le sezioni stealth mantengono la tensione tipica della serie;
• i momenti di fuga possono raggiungere picchi adrenalinici;
• il sistema di checkpoint è generoso e riduce la frustrazione.

Contro:

• l’intelligenza artificiale del compagno è estremamente discontinua;
• gli enigmi risultano troppo semplici e poco originali;
• il combattimento è superficiale e troppo guidato;
• la durata complessiva è troppo breve per il prezzo richiesto;
• assenza totale di rigiocabilità;
• i comandi a volte risultano poco reattivi nei momenti cruciali;
• manca il co-op locale che avrebbe reso l’esperienza molto più accessibile.

Dimensione artistica: bellezza inquietante

Dal punto di vista artistico, Little Nightmares 3 conferma che la serie continua a possedere uno stile riconoscibile e affascinante. La direzione artistica rappresenta forse l’aspetto più riuscito dell’intera produzione. Supermassive Games ha compreso che tradire l’estetica consolidata sarebbe stato un errore fatale e ha scelto di conservare e amplificare gli elementi visivi che hanno reso unici i capitoli precedenti.

Gli scenari mantengono quella qualità onirica e disturbante che ha sempre caratterizzato la serie. Ogni ambientazione racconta una storia attraverso dettagli ambientali curati con  attenzione maniacale. La fabbrica di dolciumi, con i suoi colori sgargianti che nascondono orrori industriali, rappresenta un perfetto esempio di come il gioco sappia sovvertire immagini rassicuranti trasformandole in fonte di inquietudine. Il carnevale notturno, con le sue giostre illuminate e le maschere grottesche, crea un’atmosfera sospesa tra il festoso e il macabro.

Le ambientazioni risultano più ampie e verticali rispetto ai capitoli precedenti. Si percepisce l’influenza dello stile registico di Supermassive, che lavora molto sull’inquadratura e sulla profondità di campo. Gli spazi non sono più semplici percorsi lineari ma si aprono in aree più articolate dove la camera si muove con maggiore libertà. Questo approccio crea momenti visivamente spettacolari ma a volte va a discapito della leggibilità delle situazioni di gioco.

L’uso del colore merita un discorso a parte. Little Nightmares 3 gioca magistralmente con palette monocromatiche, dove ogni variazione cromatica acquista un peso simbolico importante. Un tocco di rosso in un ambiente dominato dal grigio diventa immediatamente un punto focale che guida l’occhio del giocatore. Un bagliore azzurro, in mezzo a toni gialli e marroni, assume significati che vanno oltre la pura estetica. È una scelta poetica che eleva la componente visiva a forma d’arte vera e propria.

Il character design dei nemici conferma gli standard altissimi della serie. Ogni creatura è un capolavoro di design inquietante che mescola elementi umani deformati con caratteristiche grottesche. La segretaria-ragno, che fruga ossessivamente nel suo schedario, rappresenta una brillante metafora della burocrazia che schiaccia l’individuo. Il Monster Baby che apre il gioco è un incubo fatto di proporzioni sbagliate e movimenti innaturali. Ogni antagonista potrebbe essere uscito da un quadro espressionista o da un cortometraggio di Tim Burton.

Tuttavia l’aspetto grafico non è privo di difetti. Tecnicamente il gioco mostra qualche incertezza con texture non sempre all’altezza delle aspettative e un framerate che in alcune sezioni tende a calare in maniera fastidiosa. Nulla di drammatico ma abbastanza per essere notato. L’illuminazione dinamica funziona bene nella maggior parte delle situazioni ma ci sono momenti in cui le ombre risultano poco naturali.

Il comparto sonoro rappresenta l’altra metà del quadro artistico e qui Little Nightmares 3 centra perfettamente il bersaglio. Il sound design è semplicemente eccellente. Ogni ambiente possiede una propria identità sonora costruita attraverso rumori ambientali che creano tensione senza mai essere invadenti. Il cigolio di una porta, il rumore di passi che si avvicinano, il respiro affannoso dei protagonisti: ogni elemento audio contribuisce a costruire un’atmosfera opprimente.

La colonna sonora viene usata con parsimonia e questo ne aumenta l’impatto quando entra in scena. La musica non accompagna costantemente l’azione ma interviene nei momenti chiave, amplificando le emozioni. Quando parte durante una sequenza di fuga il cuore inizia a battere più forte, quando si fa sentire durante un momento di quiete apparente crea un senso di disagio che prepara a quello che sta per accadere.

Il silenzio viene sfruttato come elemento narrativo quanto il suono. Ci sono lunghe sequenze dove l’unico rumore è quello dei passi dei protagonisti, ed è proprio questa assenza di stimoli sonori a creare la maggiore tensione. L’orecchio si affina, cercando di captare qualsiasi segnale di pericolo e ogni piccolo rumore diventa fonte di allarme. È un uso maturo del sound design, che pochi giochi riescono a padroneggiare con questa efficacia.

Gli effetti sonori legati ai nemici sono particolarmente riusciti. Ogni creatura possiede una propria firma audio che la rende riconoscibile anche quando non è visibile. Si impara presto a distinguere i suoni e a reagire di conseguenza, creando un legame diretto tra audio e gameplay che funziona alla perfezione. Il ringhio del Monster Baby o il fruscio della Supervisora diventano campanelli d’allarme che innescano risposte immediate.

Pro e Contro – Dimensione Artistica

Pro:

• direzione artistica di altissimo livello con scenari memorabili;
• character design dei nemici eccellente e disturbante al punto giusto;
• uso magistrale del colore con palette che assumono valore simbolico;
• sound design praticamente perfetto con grande attenzione ai dettagli;
• la colonna sonora usata con parsimonia aumenta il suo impatto emotivo;
• il silenzio viene sfruttato brillantemente come elemento narrativo;
• ogni ambiente possiede una forte identità visiva e sonora.

Contro:

• qualche incertezza tecnica con texture non sempre ottimali;
• il framerate cala in alcune sezioni più complesse;
• l’illuminazione dinamica mostra occasionali imperfezioni;
• le ambientazioni più ampie a volte creano problemi di leggibilità;
• manca quella rottura visiva che rendeva unici alcuni livelli del primo capitolo.

Dopo anni di silenzio che hanno fatto tremare i fan più della nebbia stessa, Silent Hill torna con un capitolo che promette di scuotere le fondamenta della serie. Silent Hill f rappresenta il primo vero tentativo di portare il franchise horror più iconico del mondo videoludico lontano dalle sue radici, per immergerlo completamente nella cultura giapponese degli anni ’60. Sviluppato da NeoBards Entertainment con la supervisione narrativa del celebre Ryukishi07 (creatore di Higurashi When They Cry), questo nuovo capitolo si presenta come un’esperienza che divide nettamente tra momenti di pura genialità artistica e frustrazioni tecniche che sembrano appartenere a un’altra epoca.

Il gioco ci catapulta nel villaggio immaginario di Ebisugaoka dove la sedicenne Hinako Shimizu si trova ad affrontare orrori che nascono tanto dalla società patriarcale dell’epoca quanto da creature mostruose partorite dalla nebbia. La promessa è ambiziosa: utilizzare il folklore giapponese come terreno fertile per seminare paure ancestrali e critiche sociali taglienti. Il risultato è un’opera che riesce a toccare vette narrative straordinarie, pur rimanendo imprigionata in meccaniche di gioco che sanno tremendamente di passato.

Dal punto di vista tecnico Silent Hill f dimostra come Unreal Engine 5 possa trasformare anche il più piccolo dettaglio in una meraviglia visiva. Tuttavia questa bellezza estetica si scontra brutalmente con un sistema di combattimento che definire obsoleto sarebbe un eufemismo. La vera forza del titolo risiede nella sua capacità di raccontare una storia profonda e stratificata, che richiede più di una singola partita per essere completamente compresa e apprezzata.

Il gioco si rivolge tanto ai veterani della serie quanto ai newcomer ma richiede pazienza e dedizione. Chi cerca adrenalina pura e combattimenti serrati rimarrà deluso, chi invece è disposto a immergersi in una narrazione complessa e simbolica troverà uno dei racconti videoludici più coraggiosi degli ultimi anni.

Storia e Personaggi: Un Affresco Sociale in Salsa Horror

Silent Hill f costruisce la sua narrazione attorno alla figura di Hinako Shimizu, una studentessa che vive in una famiglia dove la violenza domestica è pane quotidiano. Il contesto storico non è casuale: il Giappone degli anni ’60 rappresenta un periodo di transizione dove tradizioni ancestrali si scontrano con i venti del cambiamento sociale. Questo sfondo diventa il terreno perfetto per esplorare tematiche universali attraverso una filtro culturalmente identificato.

La storia prende avvio quando Hinako incontra i suoi compagni di classe – Sakuko, Rinko e Shu – presso l’emporio del villaggio. Quello che inizia come un pomeriggio normale si trasforma rapidamente in un incubo quando una creatura mostruosa emerge dalla nebbia. Questa entità possiede una caratteristica inquietante: dalle sue vittime iniziano a germogliare piante dalle foglie rosse che si diffondono come un’infezione vegetale attraverso il villaggio.

La genialità narrativa di Ryukishi07 emerge nella costruzione dei personaggi secondari. Sakuko rappresenta la docilità imposta dalla società ma nasconde segreti terrificanti. Rinko incarna la gelosia morbosa di chi ha accettato il proprio ruolo predefinito ma invidia chi prova a ribellarsi. Shu si presenta come l’interesse romantico “proibito” che simboleggia le scelte negate a Hinako dalla sua condizione sociale.

Il vero colpo di genio risiede nella struttura narrativa a doppio binario. Il mondo reale di Ebisugaoka si alterna a sequenze ambientate in un santuario shintoista spettrale dove Hinako incontra la misteriosa Maschera di Volpe. Questo personaggio guida la protagonista attraverso rituali di purificazione che fungono da metafora per il processo di autoconsapevolezza e liberazione dalle catene sociali.

La critica sociale non rimane mai nascosta sotto strati di simbolismo incomprensibile. Il gioco affronta a viso aperto la condizione femminile nel Giappone patriarcale dell’epoca, dove le donne vengono considerate oggetti da scambiare o abbandonare secondo convenienza. La madre di Hinako rappresenta l’esempio perfetto di questa dinamica: una donna che ha subito violenze per tutta la vita e che ora cerca di convincere la figlia che “la felicità di una donna inizia col matrimonio”.

Pro di storia e personaggi:

• narrazione coraggiosa che affronta temi sociali complessi senza timidezza;
• personaggi stratificati con psicologie credibili e sfaccettate;
• utilizzo intelligente del folklore giapponese per creare metafore horror efficaci;
• sistema di New Game+ che aggiunge contenuti narrativi sostanziali invece di semplici scene bonus;
• ambientazione storica ricostruita con cura maniacale nei dettagli.

Contro di storia e personaggi:

• alcune virate fantasy risultano forzate e interrompono il realismo della narrazione;
• la trama richiede letture multiple per essere compresa appieno, rischiando di escludere giocatori meno pazienti;
• certi simbolismi risultano troppo espliciti perdendo parte del loro impatto;
• i dialoghi in alcune sezioni suonano artificiali e didascalici.

Gameplay: tradizione e frustrazione si incontrano

Il sistema di gioco di Silent Hill f rappresenta un chiaro tentativo di riportare la serie alle sue radici survival horror più pure. Hinako si muove attraverso gli ambienti armata principalmente di oggetti improvvisati come bastoni, tubi e coltelli. L’assenza totale di armi da fuoco sottolinea la vulnerabilità del personaggio e costringe il giocatore a valutare attentamente ogni scontro.

Il combat system riprende la formula classica basata su attacchi e schivate ma lo fa in modo goffo e frustrante. Gli scontri risultano lunghi e ripetitivi mentre i controlli si dimostrano legnosi e imprecisi. Le armi si deteriorano con l’uso e, una volta rotte, devono essere sostituite, aggiungendo un elemento di gestione delle risorse che funziona sulla carta ma si traduce, in pratica, in momenti di pura frustrazione.

Il sistema a tre barre visibile nell’interfaccia introduce elementi interessanti. La Sanità mentale determina la capacità di concentrazione di Hinako e può essere utilizzata per attivare una modalità focus che rallenta i movimenti nemici. La Resistenza regola corsa e schivate mentre la Salute funziona in modo tradizionale. Gli oggetti curativi riflettono la cultura giappoese: Ramune, Arare e Yokan sostituiscono le classiche bevande e medicine occidentali.

Gli Hokora (piccoli santuari) fungono da punti di salvataggio e sviluppo del personaggio. Attraverso gli Omamori (talismani) è possibile sbloccare nuove abilità utilizzando la “fede” come valuta di gioco. Questo sistema di progressione si integra naturalmente con l’ambientazione culturale senza mai risultare forzato.

La vera forza del gameplay risiede negli enigmi che permeano ogni aspetto dell’esperienza. Il gioco presenta puzzle complessi che richiedono attenzione ai dettagli ambientali e lettura approfondita dei documenti sparsi per il mondo di gioco. Sfortunatamente la localizzazione italiana compromette gravemente questa componente, rendendo alcuni enigmi quasi incomprensibili e costringendo a procedere per tentativi piuttosto che per logica.

L’esplorazione rappresenta l’aspetto più riuscito dell’esperienza ludica. Ebisugaoka si presenta come un labirinto di vicoli e abitazioni tradizionali, dove ogni angolo nasconde dettagli narrativi importanti. Il mondo si divide tra la dimensione reale e quella del santuario, seguendo la tradizione della serie ma con un approccio più netto e definito rispetto ai capitoli precedenti.

Il sistema di New Game+ merita una menzione speciale per la sua implementazione innovativa. Invece di limitarsi a ripetere l’avventura con modifiche minori, offre nuove aree da esplorare, enigmi inediti e dialoghi completamente diversi che espandono significativamente la comprensione della trama. Esiste anche un New Game++ che approfondisce ulteriormente l’esperienza narrativa.

Pro del gameplay:

• enigmi complessi e stimolanti che richiedono vera deduzion;
• sistema di progressione integrato naturalmente con l’ambientazione culturale;
• esplorazione gratificante ricca di dettagli narrativi nascosti;
• New Game+ sostanzioso che aggiunge contenuti reali invece di semplici ripetizioni;
• atmosfera di vulnerabilità ben trasmessa attraverso l’assenza di armi da fuoco.

Contro del gameplay:

• combat system obsoleto con controlli legnosi e animazioni datate
• localizzazione italiana problematica che rovina la risoluzione degli enigmi
• troppi scontri obbligatori che interrompono il ritmo esplorativo
• gestione della telecamera inadeguata negli spazi ristretti
• mancanza di opzioni di accessibilità per giocatori meno esperti

Dimensione artistica: quando la tecnologia incontra l’arte

Dal punto di vista tecnico Silent Hill f rappresenta probabilmente uno dei migliori esempi di utilizzo di Unreal Engine 5 visti finora nel panorama videoludico. Il motore grafico viene sfruttato per creare ambientazioni che trasudano atmosfera da ogni pixel. Il villaggio di Ebisugaoka prende vita attraverso una cura maniacale dei dettagli che trasforma ogni abitazione, ogni vicolo e ogni oggetto in un elemento narrativo significativo.

La palette cromatica gioca un ruolo fondamentale nel trasmettere le emozioni della storia. I toni caldi e nostalgici del Giappone anni ’60 si contrappongono ai rossi sangue delle infestazioni vegetali, creando un contrasto visivo che accompagna perfettamente la dicotomia tematica del gioco. La nebbia, elemento iconico della serie, viene utilizzata non solo come strumento atmosferico ma come vero e proprio personaggio che avvolge e trasforma la realtà.

Il design delle creature merita una menzione particolare per come riesce a fondere il folklore giapponese con l’estetica horror tipica di Silent Hill. I mostri non sono semplici accumuli di carne e sangue ma rappresentazioni simboliche delle paure e delle oppressioni sociali che affliggono i personaggi. Le “incubatrici di carne” costrette a partorire continuamente simboleggiano la riduzione della donna a mero strumento riproduttivo, mentre altre creature rappresentano diversi aspetti della violenza patriarcale.

Il comparto sonoro si dimostra all’altezza dell’eccellenza visiva. La colonna sonora integra elementi della musica tradizionale giapponese con composizioni horror moderne  creando un soundscape che accompagna perfettamente ogni momento del gioco. I rumori ambientali contribuiscono a creare un senso di immersione totale, dove ogni scricchiolio e ogni sussurro assumono significato narrativo.

L’illuminazione dinamica gioca un ruolo cruciale nel creare atmosfera. I contrasti tra luci e ombre, non servono solo a creare tensione ma guidano l’occhio del giocatore verso elementi narrativi importanti. Le candele tremolanti del santuario, i lampioni fiochi del villaggio e i bagliori innaturali delle infestazioni vegetali contribuiscono a creare un mondo visivamente coerente e narrativamente significativo.

La direzione artistica dimostra una comprensione profonda sia della cultura giapponese che dell’estetica horror di Silent Hill. Ogni elemento visivo, dalla calligrafia sui documenti alle decorazioni delle abitazioni, riflette un’accurata ricerca storica che dona credibilità al mondo di gioco senza mai scadere nel folcloristico.

Pro della dimensione artistica:

• utilizzo eccellente di Unreal Engine 5 con risultati visivi straordinari;
• design delle creature intelligente e simbolicamente significativo;
• palette cromatica perfettamente calibrata per sostenere la narrazione;
• xomparto sonoro che fonde tradizione giapponese e horror moderno con maestria;
• direzione artistica coerente che rispetta sia la cultura originale che l’estetica della serie.

Contro della dimensione artistica:

• alcune texture mostrano segni di compressione eccessiva su console;
• frame rate instabile in alcune sezioni più complesse visivamente;
• effetti particellari delle infestazioni vegetali possono risultare ripetitivi;
• mancanza di opzioni grafiche avanzate per personalizzare l’esperienza visiva.

L’evoluzione di Silent Hill: passato, presente e futuro

Per comprendere appieno il significato di Silent Hill f è necessario contestualizzarlo all’interno della travagliata storia della serie. Dai capolavori originali firmati Team Silent fino ai controversi capitoli occidentali, il franchise ha attraversato alti e bassi che hanno segnato profondamente la percezione dei fan e della critica specializzata.

I primi quattro capitoli della serie hanno definito i canoni dell’horror psicologico nei videogiochi. Silent Hill, Silent Hill 2, Silent Hill 3 e Silent Hill 4: The Room hanno esplorato rispettivamente temi come la genitorialità corrotta, il lutto e la colpa, i drammi adolescenziali e l’isolamento sociale. Ognuno di questi titoli utilizzava la città di Silent Hill come specchio deforma

Il passaggio del franchise dalle mani giapponesi a quelle occidentali ha prodotto risultati contrastanti. Titoli come Silent Hill: Origins, Silent Hill: Homecoming e Silent Hill: Downpour hanno tentato di mantenere viva la formula originale con successo parziale. Questi capitoli, pur mantenendo elementi caratteristici della serie, hanno spesso privilegiato l’azione pura rispetto all’introspezione psicologica che aveva reso celebre il marchio.

Il periodo più buio della serie è coinciso con esperimenti discutibili come Silent Hill: Book of Memories che hanno tradito completamente lo spirito originale del franchise. La cancellazione di Silent Hills, il progetto che avrebbe dovuto segnare la rinascita della serie sotto la direzione di Hideo Kojima e Guillermo del Toro, ha rappresentato il punto più basso nella percezione pubblica del marchio.

Silent Hill f si inserisce in questo contesto come tentativo di rilancio che guarda tanto al passato quanto al futuro. La scelta di affidare la narrazione a Ryukishi07 dimostra la volontà di tornare alle radici psicologiche della serie, pur esplorando nuovi territori culturali e tematici. Il folklore giapponese sostituisce le influenze occidentali senza tradire l’essenza horror del franchise.

L’approccio di NeoBards Entertainment rivela una comprensione profonda di cosa abbia reso speciale Silent Hill negli anni d’oro. Il focus su atmosfera, simbolismo e introspezione psicologica riporta la serie verso la sua identità originale. Tuttavia l’implementazione tecnica mostra tutti i limiti di uno studio di sviluppo che fino ad oggi si è occupato principalmente di porting e operazioni tecniche.

La sfida principale che Silent Hill f deve affrontare è dimostrare che la serie può ancora dire qualcosa di significativo nel panorama horror contemporaneo. Il mercato attuale privilegia esperienze immediate e accessibili, mentre Silent Hill ha sempre richiesto tempo, pazienza e riflessione. Il successo commerciale e critico di questo capitolo determinerà il futuro dell’intero franchise.

L’influenza del folk-horror contemporaneo è evidente nella costruzione narrativa e visiva del gioco. Film come Midsommar, Hereditary e The Wailing hanno dimostrato che il pubblico moderno è ancora ricettivo verso horror intelligente e simbolico. Silent Hill f cerca di cavalcare questa tendenza portando nel medium videoludico tematiche e stilemi tipici del cinema d’autore.

In conclusione: un ritorno imperfetto ma necessario

Silent Hill f rappresenta molto più di un semplice nuovo capitolo di una serie storica. È un manifesto artistico che dimostra come il medium videoludico possa ancora affrontare tematiche sociali complesse, senza scadere nella predicazione o nella superficialità. La scelta di utilizzare l’horror come veicolo per esplorare la condizione femminile nel Giappone patriarcale degli anni ’60 è coraggiosa e necessaria, in un panorama spesso dominato da produzioni che privilegiano l’intrattenimento immediato rispetto alla riflessione profonda.

Il lavoro di Ryukishi07 emerge come il vero punto di forza dell’intera produzione. La sua capacità di intrecciare folklore, critica sociale e horror psicologico crea una narrazione stratificata che ricompensa multiple letture e interpretazioni. Il sistema di New Game+ non è un semplice espediente per allungare la longevità ma un elemento narrativo integrale che trasforma ogni nuova partita in un’esperienza di scoperta autentica.

Dal punto di vista tecnico, il gioco si presenta come un’arma a doppio taglio. L’eccellenza visiva raggiunta attraverso Unreal Engine 5 dimostra come la tecnologia possa servire l’arte senza mai sopraffarla. Ogni dettaglio ambientale contribuisce alla costruzione del mondo e alla trasmissione delle emozioni narrative. Tuttavia questa bellezza estetica si scontra brutalmente con meccaniche di gioco che sembrano appartenere a un’epoca passata.

Il combat system rappresenta il tallone d’Achille più evidente dell’intera produzione. Non si tratta semplicemente di controlli imprecisi o animazioni datate ma di una filosofia di design che appare disconnessa dalle ambizioni artistiche del progetto. La sensazione è che NeoBards Entertainment abbia eccellenti artisti e narratori ma manchi di programmatori capaci di tradurre queste visioni in meccaniche di gioco moderne ed efficaci.

La questione della localizzazione italiana merita una riflessione approfondita. Gli enigmi rappresentano da sempre uno degli elementi distintivi della serie Silent Hill e la loro compromissione, attraverso traduzioni imprecise, danneggia significativamente l’esperienza complessiva. Questo problema evidenzia come localizzazioni superficiali possano rovinare anche le produzioni più curate.

Nonostante questi limiti evidenti, Silent Hill F riesce a trasmettere un senso di necessità artistica che manca da troppo tempo nel panorama horror videoludico. Il gioco non si accontenta di spaventare attraverso jump scare o violenza gratuita ma costruisce un’atmosfera di disagio esistenziale che accompagna il giocatore anche dopo aver spento la console.

La vera domanda che Silent Hill f pone, non riguarda la sua qualità tecnica o la sua accessibilità commerciale, ma la sua rilevanza culturale. In un’epoca dove l’intrattenimento digitale spesso evita tematiche controverse – anche per non “escludere” segmenti di pubblico – questo titolo ha il coraggio di affrontare questioni universali attraverso una lente culturalmente identificata. Il risultato è un’opera imperfetta ma autentica, che merita rispetto e attenzione. Il futuro della serie Silent Hill dipenderà dalla capacità di imparare dagli errori di questo capitolo senza abbandonarne le ambizioni artistiche. Serve un equilibrio migliore, tra innovazione narrativa e solidità tecnica, per creare esperienze che possano competere nel mercato contemporaneo, senza tradire l’identità storica del franchise.

L’universo videoludico è un cosmo in perenne espansione, un luogo dove le certezze sono poche e le rivoluzioni all’ordine del giorno. Eppure in questo turbinio di pixel e poligoni esistono delle costanti dei fari luminosi che da anni guidano le flotte di appassionati. Borderlands è, senza ombra di dubbio, uno tra questi. Un franchise che ha preso il concetto di sparatutto in prima persona e lo ha fuso con le meccaniche da gioco di ruolo, creando una formula esplosiva che ha ri-definito il concetto di looter-shooter. Dopo anni di attesa – e un terzo capitolo che ha diviso la critica e il pubblico – Gearbox Software torna alla carica con Borderlands 4, un titolo che si presenta con l’arduo compito di innovare senza stravolgere.

Il risultato è un’opera colossale, un’avventura che trabocca di contenuti, armi e carisma ma che allo stesso tempo mostra il fianco a qualche incertezza figlia di un passato glorioso ma ingombrante. Questa nuova epopea abbandona le sabbie riarse di Pandora per portarci sul pianeta Kairos, un mondo inedito oppresso dal giogo di un nuovo e carismatico antagonista il Crono-Custode. Al centro della scena troviamo quattro nuovi Cacciatori della Cripta pronti a tutto pur di liberare il pianeta e ovviamente arricchirsi. Borderlands 4 è un gioco di contrasti, un’esperienza che riesce a essere al tempo stesso familiare e sorprendentemente fresca. Il gunplay raggiunge vette di eccellenza mai toccate prima nella serie, grazie a un sistema di movimento incredibilmente fluido e a un arsenale sterminato che non smette mai di stupire.

La scrittura, d’altro canto, tenta la via della maturità, smorzando i toni eccessivamente sopra le righe del predecessore e riuscendo solo in parte nel suo intento. Il gioco brilla per la sua direzione artistica, con un cel-shading iconico ora più vibrante e dettagliato che mai. È un capitolo che vuole essere il punto di sintesi della saga, un’evoluzione che prende il meglio dai suoi predecessori ma limandone i difetti. Un’impresa titanica che riesce a metà, consegnandoci un gioco immenso divertente (e quasi infinito) ma che a tratti dà la sensazione di non volare osare “troppo”.

Storia e personaggi: un racconto di liberazione e follia temporale

La saga di Borderlands ha sempre puntato forte sulla sua narrativa scanzonata e sui suoi personaggi sopra le righe. Borderlands 4 non fa eccezione ma cerca di aggiustare il tiro rispetto all’umorismo a tratti forzato e memetico di Borderlands 3. L’avventura si svolge su Kairos, un pianeta mai visto prima tenuto sotto il tallone di ferro del Crono-Custode e della sua legione l’Ordine. Questo nuovo antagonista si discosta dal classico cattivo machiavellico alla Handsome Jack. Il Custode del Tempo è un tiranno enigmatico, un dittatore che controlla il flusso del tempo stesso presentandosi come un’entità quasi divina per i popoli oppressi di Kairos.

La sua influenza pervade ogni angolo del pianeta, una minaccia costante e tangibile che dona alla narrazione un’atmosfera più cupa e matura rispetto al passato. La trama principale ruota attorno alla liberazione di Kairos. I quattro nuovi Cacciatori della Cripta arrivano sul pianeta attirati dalle solite promesse di tesori e Cripte leggendarie ma si trovano ben presto invischiati in una vera e propria rivoluzione. Il loro compito sarà quello di unire le varie fazioni tribali del pianeta convincerle a combattere e guidarle contro le forze soverchianti dell’Ordine.

Il ritmo della campagna è ben gestito, alternando missioni ad alto tasso di adrenalina a momenti più riflessivi in cui si approfondisce la lore di Kairos, un mondo che si rivela sorprendentemente complesso e stratificato. La scrittura fa un piccolo passo avanti. I dialoghi sono meno farciti di battute “forzate” e i personaggi secondari sono più sfaccettati e meno caricaturali. Ritornano anche alcune vecchie conoscenze, figure iconiche della saga che appaiono in ruoli di supporto donando un senso di continuità all’universo narrativo. Il vero cuore pulsante del gioco però sono i quattro nuovi protagonisti. Gli sviluppatori hanno svolto un lavoro eccellente nel creare un quartetto di eroi carismatico e diversificato. Ve li presentiamo, in sintesi:

• Vex la Sirena: Una studiosa ossessionata dalle Cripte e dalla storia degli Eridiani. A differenza delle altre Sirene i suoi poteri non sono puramente offensivi ma le permettono di manipolare l’ambiente e creare anomalie spaziali. È la mente del gruppo un personaggio riflessivo ma capace di scatenare una furia devastante quando la situazione lo richiede;
• Rafa l’Eso-Soldato: Un mercenario dal cuore d’oro, equipaggiato con un’armatura tecnologica avanzatissima. La sua specialità è il combattimento in prima linea, potendo schierare droni da combattimento e scudi energetici. Rafa rappresenta la forza bruta del team ma nasconde un passato travagliato e un forte senso di giustizia;
• Amon il Cavaliere della Forgia: Un guerriero proveniente da una tribù nomade di Kairos. È un personaggio imponente, capace di evocare armi spettrali e di infondere i suoi attacchi con il potere elementale del pianeta. La sua storia personale è profondamente legata alla lotta di liberazione di Kairos rendendolo il fulcro emotivo della narrazione.
• Harlowe la Gravitar: Una ladra agile e scattante i cui poteri le permettono di manipolare la gravità. Può sollevare i nemici in aria, creare piccoli buchi neri e muoversi sul campo di battaglia con una velocità disarmante. È la scheggia impazzita del gruppo, sempre pronta alla battuta e a cacciarsi nei guai.

L’interazione tra questi quattro personaggi è uno dei punti di forza del gioco. I loro dialoghi durante le missioni, le loro reazioni agli eventi e le loro storie personali si intrecciano in modo naturale creando un forte senso di cameratismo. La trama, seppur più solida e coerente rispetto al passato, non è esente da difetti. In alcuni frangenti la narrazione perde mordente affidandosi a cliché già visti nel genere. Il Crono-Custode, per quanto accattivante, non riesce a raggiungere il carisma iconico di Handsome Jack, rimanendo una figura un po’ troppo distante e misteriosa per tutto l’arco della storia. Nonostante queste piccole sbavature, il comparto narrativo di Borderlands 4 compie un deciso passo nella giusta direzione offrendo una storia godibile personaggi memorabili e un nuovo affascinante angolo dell’universo da esplorare.

Pro di storia e personaggi:

• Un antagonista intrigante e un’ambientazione inedita;
• I quattro nuovi Cacciatori sono eccezionali per design e caratterizzazione;
• Tono narrativo più maturo e meno caotico;
• Ottima gestione del ritmo della campagna principale.

Contro di storia e personaggi:

• Il cattivo principale manca del carisma di Handsome Jack;
• Alcuni snodi narrativi sono prevedibili;
• Le missioni secondarie a volte mancano di mordente narrativo;
• Il ritorno di alcuni vecchi personaggi sembra un po’ forzato.

Gameplay: la sinfonia della distruzione raggiunge la perfezione

Se c’è un aspetto in cui Borderlands 4 eccelle senza riserve è il gameplay. Gearbox Software ha preso la solida base del terzo capitolo e l’ha elevata a un livello superiore, creando il looter-shooter “per eccellenza”. Il feeling delle armi è semplicemente sublime. Ogni proiettile ha un peso, ogni esplosione è una gioia per gli occhi e le orecchie. Il sistema di generazione procedurale delle armi torna più in forma che mai, sfornando un numero letteralmente infinito di strumenti di morte. Si passa da pistole che sparano proiettili a ricerca a fucili a pompa che generano mini-singolarità gravitazionali, fino a lanciarazzi che suonano un’aria d’opera prima di scatenare l’inferno.

La varietà è sbalorditiva e la ricerca del “god roll” perfetto costringe il giocatore di turno a continuare a combattere e ad esplorare per ore e ore. La vera rivoluzione di questo quarto capitolo risiede però nel sistema di movimento. I Cacciatori della Cripta sono ora più agili che mai. Possono eseguire doppi salti, scivolate, scatti aerei e aggrapparsi alle sporgenze grazie a un rampino. Queste nuove abilità trasformano ogni scontro a fuoco in una danza mortale. Non si è più vincolati a un combattimento statico da dietro le coperture, ora è possibile attaccare dall’alto aggirare i nemici con una velocità fulminea e riposizionarsi costantemente sul campo di battaglia. Questa nuova libertà di movimento si sposa alla perfezione con il level design delle arene più verticali e complesse che in passato.

Gli alberi delle abilità dei quattro protagonisti sono un altro fiore all’occhiello della produzione. Ognuno dei quattro Cacciatori ha a disposizione tre diversi rami di specializzazione, ognuno con una propria abilità d’azione unica e una serie di potenziamenti passivi. La profondità di personalizzazione è notevole, permettendo di creare build estremamente diverse e sinergiche. Vex può specializzarsi nel controllo del campo di battaglia bloccando i nemici con le sue anomalie oppure concentrarsi sui danni elementali. Rafa può diventare un tank inarrestabile o un comandante che guida un esercito di droni.

Le possibilità sono enormi e incentivano la rigiocabilità e la sperimentazione. Borderlands 4 introduce anche nuovi tipi di nemici e nuove fazioni che popolano il pianeta Kairos. L’Ordine del Crono-Custode schiera soldati corazzati e mech pesantemente armati mentre le lande selvagge sono abitate da creature aliene aggressive e imprevedibili. L’intelligenza artificiale nemica è stata migliorata, rendendo gli scontri più impegnativi e tattici. I nemici cercano di aggirare il giocatore, usano le coperture in modo intelligente e coordinano i loro attacchi.

L’esplorazione del mondo di gioco è un altro elemento chiave dell’esperienza. Kairos è un pianeta vasto e variegato composto da diverse macro-aree che vanno da lussureggianti giungle aliene a deserti aridi, passando per città futuristiche e antiche rovine. Per spostarsi rapidamente si può contare su un nuovo hover-bike completamente personalizzabile, un veicolo agile e divertente da guidare. Il mondo è disseminato di segreti sfide secondarie e boss opzionali che ricompensano generosamente i giocatori più curiosi. L’endgame di Borderlands 4 è stato pensato per tenere incollati i giocatori per centinaia di ore. Una volta terminata la campagna principale si sblocca la modalità “Caos”, che permette di aumentare la difficoltà del gioco e la qualità del bottino ottenuto.

Tornano anche le arene di combattimento e le incursioni raid impegnativi pensati per essere affrontati in cooperativa con altri tre giocatori. Gearbox ha già annunciato un corposo piano di supporto post-lancio, con espansioni della storia, nuovi personaggi ed eventi stagionali. Se c’è da muovere una critica al gameplay è la sua fisiologica ripetitività nel suo ciclo di vita. Alla fine della giornata, le cose da fare si dimostrano sempre le stesse: spara, saccheggia, migliora l’equipaggiamento e ripeti. Per chi non è avvezzo al genere, questa formula potrebbe risultare stancante sul lungo periodo.

Pro del gameplay:

• Sistema di movimento incredibilmente fluido e divertente;
• Feeling delle armi eccezionale e varietà dell’arsenale sbalorditiva;
• Alberi delle abilità profondi e altamente personalizzabili;
• Un endgame ricco di contenuti e un solido piano di supporto post-lancio.

Contro del gameplay:

• La formula di gioco alla lunga può risultare ripetitiva;
• Il bilanciamento di alcune armi leggendarie non è perfetto;
• La gestione dell’inventario poteva essere migliorata;
• Alcune tipologie di missioni tendono a ripetersi troppo spesso.

Dimensione artistica: un capolavoro in cel-shading che risuona di caos

Lo stile grafico di Borderlands è sempre stato il suo marchio di fabbrica inconfondibile. Quel cel-shading spesso definito “concept art in movimento” ha permesso alla serie di distinguersi dalla massa di sparatutto realistici e di mantenere una freschezza visiva invidiabile anche a distanza di anni. Borderlands 4 non solo conferma questa tradizione ma la eleva a un nuovo livello di eccellenza. Grazie alla potenza delle console di nuova generazione il mondo di Kairos prende vita, con una ricchezza di dettagli e una vivacità cromatica mai viste prima.

I modelli poligonali dei personaggi e dei nemici sono più complessi e animati con una cura maniacale. Gli effetti particellari delle esplosioni e delle abilità speciali sono un vero spettacolo pirotecnico, un tripudio di colori che riempie lo schermo in ogni scontro a fuoco. L’illuminazione gioca un ruolo fondamentale nel creare l’atmosfera. I raggi di sole che filtrano attraverso le fitte giungle aliene, i neon che si riflettono sulle pozzanghere delle città cyberpunk e le luci spettrali delle rovine Eridiane contribuiscono a rendere ogni ambientazione unica e memorabile.

La direzione artistica brilla soprattutto nella creazione del pianeta Kairos. Abbandonare Pandora è stata una scommessa che ha dato ragione agli sviluppatori. Il nuovo mondo offre una varietà di biomi che spezza la monotonia dei deserti che avevano caratterizzato i primi capitoli. Si passa da canyon rocciosi a paludi luminescenti, da picchi innevati a complessi industriali iper-tecnologici. Ogni area ha una sua identità visiva ben precisa, una sua flora e fauna uniche. Il design dei nemici e delle armi è come sempre folle e ispiratissimo. Le creature di Kairos sono un mix di design organico e biomeccanico mentre le armi prodotte dalle varie corporazioni sono un tripudio di creatività. Le armi Maliwan sono eleganti e futuristiche, quelle Tediore si trasformano in torrette semoventi una volta ricaricate mentre le Jakobs mantengono il loro fascino da vecchio west.

Il comparto sonoro è altrettanto impressionante. Il doppiaggio in italiano si attesta su livelli di eccellenza, con interpretazioni convincenti che riescono a rendere giustizia all’umorismo e al dramma della narrazione. Gli effetti sonori delle armi sono stati curati in modo maniacale. Ogni arma ha un suo suono distintivo, con un feedback uditivo che ne restituisce la potenza e la peculiarità. Le esplosioni sono fragorose, i proiettili sibilano nell’aria e i versi delle creature aliene sono genuinamente inquietanti. La colonna sonora è un mix esplosivo di generi, che spazia dalla musica elettronica al rock industriale passando per sonorità più riflessive.

Le tracce che accompagnano i combattimenti sono cariche di adrenalina e si adattano dinamicamente all’azione su schermo, aumentando di intensità nei momenti più concitati. Nonostante l’indiscutibile qualità artistica Borderlands 4 non è esente da problemi tecnici. Su console il gioco offre diverse modalità grafiche ma anche in modalità “performance” si registrano sporadici cali di fluidità nelle situazioni più caotiche. Gearbox ha già rilasciato diverse patch correttive che hanno migliorato la situazione ma il lavoro di pulizia non è ancora del tutto completato.

Pro della Dimensione artistica:

• Stile grafico in cel-shading iconico e tecnicamente impressionante;
• Direzione artistica ispirata sia nel design del mondo che dei personaggi;
• Comparto sonoro di altissimo livello doppiaggio effetti e colonna sonora;
• Varietà e bellezza delle ambientazioni del pianeta Kairos.

Contro della Dimensione artistica:

• Ottimizzazione tecnica non perfetta al lancio;
• Sporadici cali di frame rate;
• Qualche bug e glitch minore ancora presente;
• I menu e l’interfaccia utente potevano essere più puliti e reattivi.

Ogni anno la storia si ripete. Arriva settembre e con lui un nuovo capitolo di NBA 2K. Un appuntamento fisso per milioni di appassionati. Un rito che scandisce la fine dell’estate e l’inizio della nuova stagione del basket più spettacolare del mondo. NBA 2K26 non fa eccezione. L’ultima creatura di Visual Concepts arriva su console e PC con un obiettivo ambizioso. Non vuole solo essere un aggiornamento: vuole rappresentare la versione più rifinita e completa della simulazione cestistica. La serie 2K, che da anni domina incontrastata il mercato, ha raggiunto vette di realismo e profondità quasi ineguagliabili (anche perchè la concorrenza latita ad arrivare). Migliorare una formula così consolidata è una sfida enorme, con il rischio di adagiarsi sugli allori sempre dietro l’angolo.

Così come quello di scontentare una community esigente e attenta a ogni singolo dettaglio. NBA 2K26 si presenta ai nastri di partenza con questo pesante fardello. Il gioco cerca di spingere l’asticella ancora più in alto e lo fa partendo dalle solide fondamenta del suo predecessore. NBA 2K25 aveva introdotto elementi importanti, perfezionando il gameplay in tante piccole cose. Il nuovo capitolo raccoglie questa eredità e prova a espanderla, promettendo un’esperienza sul parquet più fluida, realistica ed appagante.

Il basket virtuale di 2K è da tempo un universo vastissimo, un contenitore traboccante di opzioni, modalità e contenuti. C’è la Carriera per chi sogna di diventare una leggenda NBA,  MyTeam per i collezionisti di carte e per gli amanti delle sfide online, MyNBA per chi vuole vestire i panni del 6 e gestire una franchigia in ogni suo aspetto. Una ricchezza che a volte rischia di diventare dispersiva. Un labirinto in cui è facile perdersi, specialmente per i nuovi giocatori (ma è anche il più grande pregio della produzione, un aspetto che va riconosciuto).

NBA 2K26, non solo prosegue su questa strada, accelera addirittura. Aggiunge nuovi elementi,  raffina quelli esistenti e cerca di limare le imperfezioni storiche della serie. Ma la domanda che tutti si pongono è sempre la stessa: sarà riuscito a trovare il giusto equilibrio? Avrà risolto i problemi che da anni affliggono l’esperienza di gioco? Sul banco degli imputati sale sempre l’annoso problema legato alle microtransazioni, un’ombra che si allunga minacciosa su ogni modalità. Una presenza costante che rischia di rovinare l’atmosfera e trasformare il divertimento in un esperienza legata al male del pay-to-win. Per capire se il re del basket virtuale ha ancora la corona ben salda sulla testa, oppure se il suo trono è rischio per via delle sue storiche contraddizioni, non ci resta che fare incetta di canestri, al ritmo della nostra recensione di NBA 2K26.

Tutte le novità di questa nuova stagione

NBA 2K26 non è una rivoluzione ma una vera e propria evoluzione, un passo avanti deciso e consapevole rispetto al suo predecessore. Gli sviluppatori di Visual Concepts si sono concentrati sul perfezionamento di meccaniche esistenti, ascoltando con attenzione il feedback della community, che ricordiamo essere tra le più “calorose” del mondo del gaming. Il risultato è un gioco che, a un primo sguardo, potrebbe sembrare molto simile a NBA 2K25, il che non è cosa impossibile con dei titoli di matrice seriale a cadenza annuale. Rimbalzo dopo rimbalzo, pad alla mano si rivela, al netto di una giusta e doverosa pazienza, carico di una serie di miglioramenti importanti e graditi. La novità più significativa è probabilmente legata al ProPLAY. Questa tecnologia, che traduce i filmati reali delle partite NBA in animazioni di gioco, era stata introdotta lo scorso anno, seppur con una sorta di lancio sperimentale. In NBA 2K26, anche forte del feedback ricevuto lo scorso anno, assistiamo ad una maturità importante. Il numero di animazioni è aumentato considerevole, la fluidità con cui i giocatori si muovono sul campo è impressionante. Ogni movimento ogni tiro ogni palleggio appare più naturale e realistico e questo si traduce in un controllo maggiore e in una sensazione di autenticità senza precedenti.

Anche il MyPLAYER Builder – il sistema di creazione del proprio alter ego virtuale – è stato rivisto. L’introduzione del sistema “Build By Badges” rappresenta un passo importante verso l’accessibilità. Ora i giocatori possono scegliere i badge – ovvero, le abilità speciali che preferiscono – e il sistema adatterà automaticamente gli attributi del giocatore per sbloccare quei potenziamenti. Un’inversione di rotta intelligente, se ci si confronta con il passato della serie. Semplifica sicuramenti la vita ai meno esperti, senza sacrificare la profondità per i veterani. A questo si aggiunge la glossary delle animazioni, un vero e proprio database che permette di ricercare ogni singola animazione per nome e vedere i requisiti necessari per sbloccarla. Un aiuto fondamentale per chi vuole replicare lo stile di gioco del proprio idolo NBA (fantastica per gli amanti della pallacanestro americana). Infine i Cap Breakers i meccanismi per superare i limiti di attributo sono stati resi più incisivi. Questi, infatti, donano al sistema di progressione una sensazione di crescita meno meccanica e più gratificante.

La modalità MyCAREER introduce una storyline completamente nuova intitolata “Out of Bounds”. Abbandona parzialmente le atmosfere cittadine open-world degli ultimi anni per concentrarsi su una narrazione più strutturata e coinvolgente (sempre da prendere con le pinze). Si segue il percorso del proprio giocatore soprannominato MP fin dalle sue partite al liceo, con una trama che si sviluppa attraverso filmati ben realizzati, esplorando la vita del protagonista anche fuori dal campo. Un ritorno alle origini per certi versi, un tentativo di creare un’esperienza più personale e memorabile. Sicuramente, una delle più convincenti degli ultimi anni.

Anche MyTEAM – la modalità basata sulla collezione di carte – ha ricevuto importanti aggiornamenti. La novità più eclatante è l’integrazione completa delle stelle della WNBA. Per la prima volta, infatti, sarà possibile creare squadre miste (una scelta che ci ha ricordato quella di FC 25). Far giocare fianco a fianco le leggende NBA e le migliori giocatrici del mondo ampliano a dismisura le possibilità strategiche e la varietà del meta-gioco. Il sistema di progressione e delle ricompense è stato ribilancio, anche se il modello economico resta fortemente legato all’acquisto di pacchetti e all’utilizzo di valuta virtuale.

Infine la modalità MyNBA dedicata alla gestione manageriale si arricchisce con gli “Offseason Scenarios”. Si tratta di sfide a lungo termine create su misura, dove ci toccherà raggiungere determinati obiettivi per soddisfare la dirigenza e i tifosi. Un’aggiunta interessante che dona maggiore profondità e rigiocabilità a una modalità già estremamente completa.

Pro delle novità

• La tecnologia ProPLAY è matura e regala animazioni e fluidità incredibili;
• Il nuovo Builder è più accessibile ma non meno profondo;
• La storyline di MyCAREER è un deciso passo avanti rispetto al passato;
• L’integrazione della WNBA in MyTEAM aggiunge enorme varietà.

Contro delle novità

• Le novità non stravolgono l’impianto di gioco generale;
• MyTEAM resta una modalità dove la “spesa extra” offre un vantaggio competitivo;
• Le modalità single-player classiche come le stagioni offline hanno ricevuto poche attenzioni;
• La struttura di fondo rimane molto simile a quella di NBA 2K25.

Gameplay

Il cuore pulsante di ogni NBA 2K è il gameplay. È sul parquet virtuale che si decidono le sorti di ogni partita (e, ovviamente, di edizione). E da questo punto di vista NBA 2K26 non si è fatto trovare impreparato. Il lavoro svolto dagli sviluppatori sul feeling e sul controllo non passa inosservato. Il gioco è più fluido, più reattivo e più realistico rispetto alla passata stagione. Talvolta sembra di assistere a una vera partita in televisione ma con il pieno controllo dell’azione. Il merito è in gran parte del già citato ProPLAY, con ogni giocatore che si presente con delle movenze uniche. Si riconoscono, lontano un chilometro, i tiri in sospensione di Kevin Durant, i giochi di prestigio fulminei di Shai Gilgeous-Alexander e i movimenti in post basso di Nikola Jokic.

Intendiamoci, non è solo una questione estetica. Questa fedeltà si traduce in un gameplay più profondo e strategico, che obbligano il giocatore a conoscere i punti di forza e di debolezza di ogni atleta e sfruttare, dunque, le loro animazioni distintive. Solo così si potrà avere la meglio sull’avversario. Il ritmo di gioco ci apparso leggermente aumentato, con dei match più dinamici e spettacolari (ma senza sacrificare l’anima simulativa del titolo). Ogni possesso è una partita a scacchi, leggere la difesa e chiamare gli schemi giusti per trovare il compagno libero e mandarlo a canestro.

La difesa è stata potenziata. L’intelligenza artificiale è più reattiva, legge bene le intenzioni del giocatore e si adatta di conseguenza. Questo costringe a variare il proprio gioco offensivo, obbligando ad essere più creativi e meno prevedibili. Online la difesa resta una sfida. Affrontare un “altro noi” richiede grande concentrazione e abilità ma le meccaniche a disposizione sono solide e permettono di contenere anche i migliori attaccanti. L’attacco, di contro, offre una libertà d’azione quasi illimitata. Il sistema di palleggio è ricco e complesso e permette di eseguire una quantità enorme di crossover, esitazioni e cambi di direzione. Padroneggiarlo, però. richiede tempo e dedizione ma la soddisfazione di superare un difensore con una serie di finte ben eseguite è impagabile.

Il sistema di tiro è stato oggetto di un importante bilanciamento. In NBA 2K26 la finestra di rilascio verde – quella che garantisce il canestro – è stata ridotta. Un rilascio “leggermente anticipato” o “leggermente ritardato” si tradurrà quasi sempre in un errore. Una scelta che farà – e sta tuttora facendo – discutere, con un conseguente livello di frustrazione da non sottovalutare. Anche il gioco in post basso è stato arricchito con nuove mosse e contromosse, rendendolo un’alternativa valida e divertente al gioco perimetrale.

Nonostante l’eccellenza generale persistono, però, alcuni piccoli difetti. L’intelligenza artificiale offensiva a volte tende a essere prevedibile, con una tendenza ad eseguire ripetutamente le stesse giocate, specialmente nelle situazioni di fine partita. Alcuni passaggi o intercetti sembrano ancora un po’ “guidati”, come se il gioco decidesse a priori l’esito dell’azione. Si tratta di piccole sbavature, imperfezioni che non rovinano un’esperienza di gioco sensibilmente migliorata rispetto alle passate edizioni.

Pro del gameplay

• Un feeling di gioco realistico e appagante come mai prima d’ora;
• La fluidità e la varietà delle animazioni sono sbalorditive;
• La difesa dell’IA è stata migliorata e rappresenta una sfida credibile;
• Il sistema di tiro premia l’abilità e la conoscenza dei giocatori.

Contro del gameplay

• Il sistema di tiro potrebbe risultare punitivo per i nuovi giocatori;
• L’IA offensiva a volte è ripetitiva e prevedibile;
• Persistono alcune animazioni “guidate” che minano la sensazione di controllo;
• La complessità dei comandi può spaventare chi si avvicina per la prima volta alla serie.

Dimensione artistica

NBA 2K26 non è solo un grande gioco da giocare. è anche un bellissimo spettacolo da guardare. La presentazione audiovisiva è di altissimo livello e questo conferma la cura maniacale che Visual Concepts ripone in questo aspetto della produzione (come, del resto, ha sempre fatto). I modelli poligonali dei giocatori sono incredibilmente dettagliati. Si possono notare il sudore sulla fronte le espressioni facciali e i tatuaggi riprodotti con una fedeltà impressionante. Le arene sono vive e pulsanti, con il pubblico che reagisce ad ogni canestro, mentre ci si perde a fissare la qualità dei riflessi sul parquet incredibilmente realistica. L’illuminazione dinamica crea un’atmosfera coinvolgente e spettacolare, specie quando si gusta un replay. La regia virtuale con le sue inquadrature dinamiche e i commenti pre-partita contribuisce a creare un’immersione totale, perdendo quel contatto con la realtà videoludica in favore di quella “non”.

La colonna sonora, come da tradizione, è ricca e variegata. Un mix di brani hip-hop e pop che accompagna il giocatore nella navigazione dei menu e durante le partite. Il commento tecnico in lingua inglese è eccellente, i telecronisti sono reattivi e offrono analisi puntuali sull’andamento del match. La localizzazione in italiano, purtroppo, riguarda unicamente i testi dei menu. Una scelta consolidata per la serie, questo lo sappiamo, che potrebbe far storcere il naso a chi non mastica l’inglese. Il sound design è ottimo. Il rumore della palla che rimbalza, lo stridere delle scarpe sul parquet, l’urlo della folla dopo una schiacciata: tutto contribuisce a trasportare il giocatore al centro dell’azione.

Tuttavia non è tutto oro quello che luccica. La struttura dei menu inizia a mostrare i segni del tempo, con un sistema di navigazione confusionario e dispersivo. Trovare una specifica opzione può richiedere diversi passaggi, indi per cui urge un restyling più coraggioso e moderno che gioverebbe alla fruibilità generale del titolo. Anche la Città, la componente open-world legata a MyCAREER, continua a dividere. Da un lato è un hub sociale ricco di attività e cose da fare, dall’altro è un ambiente enorme e a volte dispersivo che obbliga a lunghe e noiose camminate per passare da un’attività all’altra, trasformando l’esperienza in qualcosa che a tratti assomiglia più a un gioco di ruolo online che a un gioco di basket. Questa componente social, spinta con costumi stravaganti e animazioni sopra le righe, si scontra un po’ con il realismo simulativo del gameplay sul campo.

Pro

• Grafica fotorealistica e modelli dei giocatori eccezionali;
• Presentazione in stile televisivo curata in ogni dettaglio;
• Un comparto sonoro coinvolgente e di alta qualità;
• Animazioni ProPLAY che offrono uno spettacolo visivo senza precedenti.

Contro

• I menu sono confusi e necessiterebbero di una svecchiata;
• La Città è dispersiva e può risultare frustrante da navigare;
• La localizzazione in italiano è limitata ai soli testi;
• Lo stile social della Città si scontra con il realismo del gioco.