Lost Soul Aside giunge sulla scena videoludica dopo un silenzio inaspettato (ed un rinvio quasi inevitabile). Sviluppato da Ultizero Games e pubblicato da Sony Interactive Entertainment questo titolo action-adventure RPG cattura l’essenza di classici come Devil May Cry e Final Fantasy (parliamo delle ultime uscite “action”). Uscito il 29 agosto 2025 per PS5 e PC il titolo nasce da un’idea solitaria di Yang Bing.

Questo studente della Corea del Sud iniziò a sviluppare Lost Soul Aside nel 2014, ispirandosi a titoli come Final Fantasy XV e Devil May Cry. Carica un trailer su YouTube nel 2016 e Sony ne nota il potenziale. Entra, così, nel China Hero Project, un’iniziativa creata per supportare sviluppatori cinesi nelle loro opere. In un attimo quel solo-project vede coinvolto un team di 40 persone a Shanghai. Ritardi dovuti a inesperienza e costruzione del team portano al lancio nel 2025.

Lost Soul Aside è ambientato in un mondo dove combattimenti super stylish si intrecciano con storie surreali e soprannaturali. Kaser – il protagonista – combatte per salvare la sorella Louisa e l’umanità da invasori dimensionali chiamati Voidrax. Il gioco si basa su un alchimia che mescola azione frenetica, esplorazione e tocchi RPG. L’ambizione degli sviluppatori, di creare un qualcosa di diverso, c’era ma è rimasta come tale. Il tutto è giunto come un qualcosa di già visto altrove, reinterpretato anche in maniera peggiorativa rispetto alcune componenti.

Storia e personaggi: la famiglia prima di tutto

Nel cuore di Lost Soul Aside vi è una storia che racconta di una famiglia. Kaser ribelle contro un imperatore crudele vede la sorella Louisa perdere l’anima in un evento cosmico che sovverte all’improvviso la realtà e le sue regole. Non è un fenomeno naturale, ma l’arrivo dei Voidrax – esseri dimensionali che drenano energie vitali – non è inaspettato. Kaser guadagna poteri da un alleato misterioso che risponde al nome di Arena, un drago che si trasforma in tutto quello può essere utile al suo utilizzatore. Inizia così un viaggio alla ricerca di cristalli elementali e trovare un modo per sconfiggere gli invasori.

La narrazione tocca temi di amicizia, sacrificio e redenzione. Personaggi secondari aggiungono delle note di “colore”, con dei dialoghi che dipingono meglio alcuni contorni della lore. Kaser inizia come il classico lupo solitario, ma cresce attraverso dei legami che lo aiutano a mettersi in discussione. Arena ruba la scena con la sua versatilità e personalità vivace, quasi come se fosse un grillo parlante.

Il non trovare dei riferimenti, non propriamente velati, a Final Fantasy è quasi impossibile. Dalla trama alla caratterizzazione dei personaggi, la matrice ispirativa è presente un po’ ovunque. Il rapporto tra il drago e il protagonista ci ha ricordato il film Disney “Raya e l’ultimo drago” per via di quel percorso di crescita prima citato. Yang Bing e i suoi, dunque, hanno pescato a piene mani un po’ ovunque, ma quando si eccede si finisce per perdere di originalità. Cosa che, di fatto, è accaduta.

Il gameplay: tra combattimenti ed esplorazione

Il combat system di Lost Soul Aside è un turbine di combo armi e abilità che fa aumentare i giri del motore dell’adrenalina. Kaser impugna le sue armi dotate di statistiche e perk unici, alternando mid-combo e catene devastanti. Arena aggiunge l’utilizzo di poteri offensivi e di supporto (sotto forma di abilità), trasformandosi in elementi come thunder o ember. La schivata perfetta, come in ogni action RPG degno di questo nome, aiuta a fornire il cd. vantaggio tattico, sfruttando le esitazioni del nemico. Le potenzialità di Kaser evolvono a seguito della spendita skill points guadagnati al netto da esplorazioni e battaglie. Le mosse speciali, ciliegina sulla torta di questa esperienza videoludica, trasformano gli scontri in spettacoli acrobatici e pirotecnici, al netto di un resa coreografica degna di nota (quasi d’altri tempi, giusto per enfatizzare quell’elemento di raccordo rispetto a Devil May Cry).

Le boss fights lambiscono il mondo dei souls, complice la presenza di pattern unici e della barra della stamina che pongono un limite alle azioni “non ragionate”, aggiungendo quel giusto tocco di strategia che richiede un’adattamento rapido alla situazione. Occorre, dunque, trovare il giusto compromesso tra ragionamento e quella voglia irrefrenabile di scivolare nello smashing button selvaggio e vedere salire il numero delle combo “a più non posso”. La mancanza di varietà nemici, purtroppo, rende alcuni incontri prevedibili e frena gli entusiasmi sin da subito, limitando fortemente il fattore sfida. Il DualSense eleva l’esperienza tattile grazie al supporto del feedback aptico e i triggers adattivi che fanno sentire la potenza dei fendenti di Kaser.

Lost Soul Aside non è un open world ma offre, comunque, degli spazi estesi che invitano a curiosare. Livelli all’apparenza lineari, come in Final Fantasy VII Remake, nascondono delle aree opzionali con collezionabili et similia. Kaser sfrutta il potere del drago Arena per muoversi liberamente sulla scena, con doppi salte, planate e sessioni di volo. La presenza di puzzle ambientali – come muovere piattaforme o risolvere enigmi dimensionali – aggiunge un elemento di complessità alla dimensione esplorativa. Ci tocca segnalare la presenza di alcuni NPC “chiacchieroni” che, spesso e volentieri, interrompono lo spirito dell’avventura e della scoperta, con dialoghi “stracarichi” di righe di da leggere (e che talvolta non aggiungono nulla alla lore).

Dimensione artistica: un mix di bellezza e imperfezioni

Visivamente Lost Soul Aside stupisce con ambienti vibranti e effetti particellari che disegnano delle coreografie fantastiche. Il supporto al ray tracing aggiunge ombre realistiche e riflessi che fanno brillare armi e paesaggi. Considerazioni che, purtroppo, valgono solo per la modalità Fedeltà (quella che viaggia in 4K a 30 fps), non pienamente compatibile con un videogioco caratterizzato da una forte vena action. Motivo per cui ci siamo direzionati verso la modalità Prestazioni, che punta tutto sulla fluidità del gameplay (60 fps), sacrificando la resa grafica generale. Un sacrificio inevitabile e che, ahinoi, non maschera delle evidenti lacune sul fronte della progettazione.

I modelli dei personaggi sembrano fare “figli e figliastri”. Kaser e Arena appaiono fortemente dettagliati, mentre alcuni NPC non godono di questo trattamento. Le ambientazioni, soprattutto quelle urbane e industrial, appaiono fortemente ispirati a Final Fantasy VII Remake Su PS5 corre solido con caricamenti veloci grazie a SSD. HDR esalta colori vividi e contrasti profondi.

La colonna sonora di Lost Soul Aside cattura l’epicità con tracce orchestrali che raggiungo il culmine durante le boss fights. La musica, in genere, si presente fortemente ispirata a Final Fantasy, mescolando synth futuristici con melodie emotive. Gli effetti speciali, purtroppo, deludono per intensità e varietà, contribuendo ad alimentare l’effetto monotonia tra le varie sessioni di combattimento. Nonostante difetti, la OST eleva momenti chiave, tra cui le fasi di esplorazione e alcune cutscene.

Midnight Murder Club irrompe sulla scena come un party game horror multiplayer che mescola tensione e risate in una villa buia e misteriosa. Sviluppato da Velan Studios questo titolo esce dall’early access nel 2025 portando con sé un concetto fresco per gli appassionati di sparatutto in prima persona. Immagina un gruppo di amici armati solo di torcia e rivoltella che si inseguono al buio tra urla e spari improvvisi. Il gioco si posiziona nel panorama dei multiplayer competitivi dove titoli come Among Us o Dead by Daylight hanno già catturato l’attenzione con elementi di inganno e sopravvivenza.

Il titolo arriva in un mercato saturo di esperienze online dove la longevità spesso decide il successo. Velan Studios (noti per Knockout City) tentano di replicare quel mix di divertimento immediato ma con un twist horror. La villa Wormwood Manor diventa il palcoscenico di partite imprevedibili dove il buio non è solo sfondo ma meccanica centrale. Giocatori si nascondono dietro maschere anonime aggiungendo un velo di mistero. La sua uscita completa avviene a seguito di mesi di early access, dove i vari feedback dei giocatori hanno raffinato meccaniche ma non risolto alcune questioni.

Midnight Murder Club invita , dunque, a spegnere le luci e tuffarsi nel caos ma richiede un gruppo affiatato per brillare davvero. Con la sua enfasi su scelte rapide e inganni vocali, il titolo richiama classici come Hide and Seek ma con armi letali. La sua forza sta nel trasformare una villa ordinaria in un’arena di panico e strategia. Eppure la dipendenza dal multiplayer online lo espone a dei rischi, come lobby prive di giocatori. Midnight Murder Club emerge come un’opzione “leggera”, per chi cerca risate immediate senza impegno a lungo termine.

Storia e Personaggi

Midnight Murder Club non punta su una narrazione profonda optando invece per un setup minimalista che serve da cornice al multigiocatore. La storia ruota intorno a Wormwood Manor una villa vittoriana infestata da spiriti e segreti dove giocatori si riuniscono per un club esclusivo di omicidi notturni. Nessuna campagna single-player, solo accenni a una lore misteriosa attraverso ambienti e oggetti sparsi. La mansion nasconde reliquie dorate e totem che suggeriscono riti antichi ma senza cut-scene o dialoghi elaborati. Questo approccio mantiene il focus sul gameplay, facendo emergere la narrazione per il tramite delle interazioni tra giocatori. Personaggi sono anonimi, nascosti dietro maschere eleganti che evocano balli in maschera del passato.

Ogni giocatore sceglie un look casual ma senza personalizzazioni profonde come skin o accessori sbloccabili. Le maschere variano – da teschi dorati a volti animaleschi – aggiungendo un tocco di mistero e uniformità. In modalità come Graveyard Shift emergono elementi sovrannaturali con demoni e spiriti da esorcizzare, ma restano avversari generici senza backstory. Il titolo evita eroi complessi preferendo avatar intercambiabili che enfatizzano l’inganno. La chat di prossimità permette di tessere storie improvvisate, magari fingendo alleanza per mera convenienza (il tradimento, ahinoi, è una componente fondamentale del gameplay). Una scelta, lato gameplay, che serve a creare personaggi dinamici basati su comportamenti reali piuttosto che script predefiniti. La villa stessa ne trae anche giovamento, diventando il personaggio principale con stanze che vengono generate da zero in ogni partita.

Per chi apprezza videogiochi non-lore-oriented questo setup funziona bene, raccontando la storia senza bisogno di istanze dedicate. Tuttavia manca profondità per chi cerca dinamiche interazionali “classiche” tra i vari personaggi, con le diverse connessioni emotive che ne derivano. Le maschere anonime appiattiscono lo scenario di gioco, rendendo di primo acchito tutti potenziali assassini o vittime. In modalità Wildcards le carte alterano regole influenzando “personalità” temporanee come diventare minuscoli o invisibili. La storia sottintende un club elitario di cacciatori notturni ma lascia ampio spazio all’immaginazione. Senza progressione narrativa il titolo si affida alla sequela di partite per costruire aneddoti personali e costruire il background delle varie maschere.

Eppure questa scelta rafforza il tema di anonimato e paranoia, aspetti su cui il gioco punta evidentemente molto per la sua riuscita. Wormwood Manor, con i suoi corridoi crepitanti e stanze segrete, racconta una storia di decadenza e pericolo. Elementi come boss spirituali in PvE aggiungono tocchi mitologici ma restano superficiali. Midnight Murder Club privilegia l’esperienza collettiva su archi individuali.

Pro di Storia e Personaggi:

• Setup minimalista che focalizza sul gameplay;
• Atmosfera emergente da interazioni vocali;
• Anonimato che aumenta paranoia e divertimento.

Contro di Storia e Personaggi:

• Mancanza di lore profonda o campagne;
• Personaggi generici senza customizzazione;
• Elementi sovrannaturali sottoutilizzati.

Analisi del Gameplay

Midnight Murder Club brilla nel gameplay con meccaniche semplici ma efficaci che trasformano una villa buia in un’arena di tensione costante. Al centro c’è la torcia che illumina ma espone la posizione ai nemici creando scelte strategiche immediate. Armati di rivoltella con colpi one-hit-kill i giocatori navigano al buio affidandosi a suoni e istinto. La chat di prossimità aggiunge caos permettendo sussurri vicini o urla distanti che guidano o ingannano. Le modalità variano da Free-for-All dove tutti contro tutti regna il pandemonio a Team Deathmatch per alleanze precarie.

Thief in the Night introduce obiettivi come rubare teschi dorati da casseforti e depositarli in vault con rischio di furti avversari. Headhunters divide in cacciatori e prede con i primi che distruggono totem e i secondi che difendono santuari in limiti temporali. Wildcards spicca con carte che modificano regole come rimpicciolire giocatori o ampliare fasci di luce rendendo ogni partita unica. Graveyard Shift offre PvE co-op per due giocatori con rituali da completare contro spiriti ma si rivela ripetitivo con task come trovare reliquie o sconfiggere boss giganti. La mansion randomizzata garantisce varietà ma la sua vastità causa momenti di vagabondaggio selvaggio senza meta.

Tuttavia, in assenza di varietà di mappe, la ripetitività emerge presto. In modalità come Graveyard Shift mancano incentivi per farsi “un’altro giro” (al netto della raccolta dei trofei). Il titolo eccelle in partite brevi ma fatica a trattenere il giocatore oltre tale arco temporale.

Pro del gameplay:

• La presenza della torcia crea una situazione di suspense costante;
• Modalità Wildcards con varietà imprevedibile;
• Chat di prossimità che amplifica caos e risate.

Contro del gameplay:

• Ripetitività per via di un’unica mappa grande;
• Matchmaking instabile con leaver frequenti;
• PvE co-op Graveyard Shift piuttosto noioso.

Dimensione artistica

Midnight Murder Club affascina artisticamente con un’estetica che trasforma il buio in arte viva. La villa Wormwood Manor evoca un’era vittoriana decadente con arredi ricchi di dettagli come candelabri polverosi e tappeti logori. La grafica non punta al realismo estremo ma ad un’atmosfera con ombre dinamiche che danzano sotto fasci di torcia. GLi effetti di luce riescono a creare quel giusto livello di suspense con bagliori improvvisi che rivelano sagome nemiche. Su PS5 il titolo gira fluido senza cali di frame, sfruttando il DualSense per vibrazioni tattili come rimbombo di passi o recoil di spari.

L’audio design eccelle con suoni ambientali e effetti terrorlike come porte che scricchiolano, vetri che si rompono e echi di voci che aleggiano nell’aria. La mancanza di una colonna sonora di accompagnamento amplifica il livello di tensione, lasciando spazio a dei rumori terrificanti. Le maschere dei personaggi mescolano eleganza e grottesco con design che richiamano balli mascherati antichi. La “randomizzazione” del design delle stanze mantiene freschezza visiva, con layout che cambiano ogni nuova partita. Suoni di armi nitidi distinguono revolver da coltelli, aiutando sul fronte immersione. Artisticamente Midnight Murder Club cattura essenza di un film noir misto a commedia slapstick.

Pro della dimensione artistica:

• Atmosfera immersiva con luci e ombre dinamiche;
• Audio design eccellente per tensione sensoriale;
• Estetica vittoriana elegante e misteriosa.

Contro della dimensione artistica:

• Grafica non all’avanguardia;
• Mancanza di soundtrack di accompagnamento;
• Limitate opzioni visive per giocatori.

Mafia: Terra Madre irrompe nel panorama videoludico come un prequel che riporta alle origini della saga criminale. Ambientato nella Sicilia di inizio Novecento il gioco esplora le radici storiche della mafia, in un’epoca di miseria e potere assoluto. Sviluppato da Hangar 13 con il supporto dello studio italiano Stormind Games e pubblicato da 2K il titolo è arrivato sugli scaffali lo scorso 8 agosto su PC, PS5 e Xbox Series X|S. La serie Mafia ha sempre unito narrazione intensa a meccaniche action e questo capitolo opta per un approccio lineare abbandonando l’open world ampio di Mafia III per focalizzarsi su una campagna compatta.

Il risultato è un’avventura di circa dodici ore che privilegia la storia su esplorazioni infinite. Enzo Favara, il protagonista, parte da una vita dura nelle miniere di zolfo e sale nei ranghi di una famiglia mafiosa. L’ambientazione siciliana – con colline vulcaniche, villaggi rustici e tonnare antiche – offre un contrasto vivace rispetto alle metropoli americane dei giochi precedenti. I punti di forza balzano subito agli occhi nella ricostruzione storica fedele e nell’atmosfera avvolgente che rende ogni scelta pesante.

La saga Mafia ha ridefinito i giochi di malavita, ininiziando da quel primo capitolo del 2002 che simulava la vita gangster negli anni Trenta. Mafia II ha affinato i personaggi complessi mentre Mafia III ha tentato vie RPG in un contesto più aperto. Questo prequel sceglie la strada della semplicità e il mix convince a metà. La campagna singola priva di multiplayer o acquisti in-game attrae chi cerca esperienze pure, siglando un ritorno alle origini di chiara matrice vintage. Di contro, la scarsa varietà nelle missioni e piccoli glitch tecnici (tra cui dei come cali di frame piuttosto evidenti) tolgono smalto a questa nuova avventura.

In un mercato pieno di mondi aperti enormi alla Rockstar questo titolo spicca per la sua brevità focalizzata. Un videogioco che si presenta come un film giocabile, ispirato a classici mafiosi ma con quel tocco di realismo storico che ne fa il suo valore aggiunto. Mafia: Terra Madre non stravolge ma rinfresca la formula e spinge a pensare alle basi della malavita. Per i veterani è un legame col passato mentre per i neofiti è un ingresso facile nel universo Mafia. Il doppiaggio in siciliano verace aggiunge un tocco unico rendendo i personaggi più credibili anche se a volte difficile da seguire senza sottotitoli.

Tuttavia non manca qualche scivolone. La trama a tratti prevedibile e meccaniche un po’ datate rallentano il ritmo in certi momenti. Il gameplay guidato evita eccessi ma riduce l’esplorazione a percorsi fissi. Al netto dello scontro tra Pro (come la grafica dettagliata, personaggi vividi, dialoghi curati e colonna sonora che fonde folk locale con tensioni drammatiche) e Contro (come sparatorie imprecise, un mondo poco interattivo, fasi stealth rigide e IA nemica altalenante), l’alchimia generale crea un prodotto che riesce a convincere. Questo fa del gioco un vero e proprio omaggio nostalgico per i fan ma forse troppo cauto per chi brama novità. In sintesi Mafia: Terra Madre cattura lo spirito della serie con un gusto italiano autentico e invita a immergersi nelle origini dell’onorata società.

Storia e personaggi

La trama di Mafia: Terra Madre si tuffa nelle origini della Cosa Nostra siciliana all’alba del secolo scorso. Enzo Favara inizia da un’esistenza di stenti nelle miniere e si ritrova invischiato in una potente famiglia criminale. La narrazione salta tra eventi cruciali come fughe rocambolesche riti tradizionali e incontri carichi di tensione, procedendo per salti temporali di qualche anno, per centrare i momenti chiave. Questo mantiene un passo vivace evitando riempitivi ma accelera certi sviluppi di trama (e qualche interrogativo sorge in maniera fisiologica).

I temi centrali girano attorno a lealtà familiare e al prezzo del potere. Enzo naviga un mondo dove debiti e onore comandano ogni passo e le scelte etiche pesano come macigni. La storia richiama classici cinematografici con tradimenti e patti fragili ma infonde un sapore locale citando fatti storici come lotte sindacali e dominio dei baroni. Senza rovinare sorprese, la trama sfocia in confronti emotivi che collegano il prequel alla trilogia principale.

I personaggi alzano l’asticella oltre la routine. Enzo è un eroe “che si costruisce” con un’evoluzione da ingenuo sopravvissuto a calcolatore spietato. Il patriarca Don Torrisi, con origini umili da lavoratore evita lo stereotipo del boss distaccato, emanando carisma quieto e feroce, con un velo di mistero che incolla allo schermo. Isabella (figlia del Don) introduce romance e conflitto mostrando resilienza in un tempo maschilista. Cesare nipote ambizioso crea rivalità interne aggiungendo frizioni. Luca (la guida) offre calore umano e consigli saggi variando il cast, diventando la voce della coscienza del protagonista. Queste figure spiccano grazie a voci eccellenti, specie nel dialetto siciliano che dona veracità.

La storia evita eccessi violenti puntando su dramma umano e questo è un vantaggio per chi cerca delle esperienze character-driven. Eppure la durata compatta limita l’approfondimento di questioni come divisioni sociali tra umili e potenti. La trama sfiora l’impatto della mafia sulle vite quotidiane ma salta chance per scavare di più. La narrazione lineare aiuta a focalizzarsi sui personaggi senza distrazioni ma manca di ramificazioni che potevano aggiungere quel tocco di diversità.

Complessivamente la storia e i suoi “abitanti” formano un tappeto emotivo che sostiene l’intera esperienza nonostante qualche prevedibilità. In sequenze come corse a cavallo o opere teatrali, giusto a titolo di esempio, il gioco infonde una ventata di cultura siciliana, vivificando la storia. Giusto lustro ai personaggi che salvano una trama robusta ma non rivoluzionaria. Enzo matura in modo appagante e le dinamiche familiari tengono viva l’attenzione.

Pro della storia e personaggi

• cast solido, con alcune intrepretazioni sopra le righe;
  
• lode per la fedeltà storica;
• dialoghi credibili e carichi di profondità emotiva.

Contro della storia e personaggi

• prevedibilità e alcuni passaggi narrativi affrettati;
• cliché mafiosi già visti che regalano plot twist scontati.

Analisi del gameplay

Mafia: Terra Madre sceglie un percorso lineare che antepone la narrazione a libertà illimitate. Le missioni si incatenano in sequenza fluida passando da cutscene a azione. Il gameplay si suddivide in stealth, sparatorie, guida e scontri corpo a corpo, offrendo diversità ma con confini chiari. La componente stealth (che ricorda quella vista in Plague Tale) domina varie parti, dove Enzo si intrufola in zone ostili usando coltelli per takedown silenziosi. Tale approccio non richiede una curva di apprendimento proibitiva, anche grazie all’utilizzo di un sistema di “distrazioni” semplici (come lanciare bottiglie) ma manca di profondità portando a fallimenti rapidi e irritanti. Lo stealth permette approcci silenziosi con nascondiglio corpi ma l’IA compiacente lo rende talvolta un “filler”.

La componente shooting usa coperture con armi d’epoca come lupara e fucili. Il sistema di puntamento è rigido ma il suono degli spari rende ogni colpo impattante. I nemici attaccano con foga richiedendo un’oculata gestione del munizionamento. Interviene l’IA, che mostra il suo duplice aspetto, tra astuto e scontato. I duelli ravvicinati sono carichi di tensione, con parate, schivate e affondi che mettono in scena delle sequenze mai scontate e che aiutano a rompere il flusso del gameplay, aggiungendo pathos (specie contro capi), anche se tale effetto finisce col disperdersi nel corso dei vari replay.

Guida e cavalcate su cavalli o vetture d’epoca servono per spostamenti e inseguimenti. Le corse equestri e automobilistiche sono un must, forte dei controlli reattivi e della loro carica rievocativa. Da evidenziare la presenza di un sistema segnaletico dinamico senza minimappa, che migliora il fattore immersione. Il titolo non è caratterizzato da attività di farming, con avanzamento legato alla trama e customizzazioni minime per armi e mezzi. La raccolta e la successiva spendita del denaro, utile per upgrade, finisce col diventare non essenziale in quanto orientato principalmente all’estetica. In missioni come fughe a cavallo o agguati in vigneti il gameplay eccelle mostrando il suo lato migliore. Eppure, sul lungo, la ripetizione affiora in schemi stealth-spara-guida che non mutano.

Pro del gameplay

• auto d’epoca e corse con cavalli aggiungono quel tocco storico che non guasta;
• personalizzazioni come vestiti capelli e amuleti per bonus passivi aggiungono una modesta ventata di RPG .

Contro del gameplay

• interazioni ambientali minime con mappa contemplativa (più che attiva) deludono;
• equilibrio difficoltà non ottimale, con potenziamenti superflui a livelli medi;
• IA talvolta banale e lacunosa.

Dimensione artistica

Mafia: Terra Madre trionfa nel ritrarre la Sicilia rude del Novecento. Il mondo è un gioiello visivo con colline vulcaniche borghi autentici e rovine antiche che pulsano di storia. San Celeste (città inventata) muta durante la campagna riflettendo eventi e stagioni con dettagli come fiere tradizionali e mercati brulicanti. La grafica su Unreal Engine 5 spinge confini con texture ricche e luci dinamiche che rendono albe spettacolari.

L’arte ambientale narra storie mute come miniere opprimenti o campi lussureggianti che oppongono povertà a opulenza. Interni pullulano di arredi d’epoca e oggetti manipolabili che trasudano di immersione. Lustro alla ricostruzione storica precisa che insegna cultura siciliana tramite collezionabili come miti locali o reperti. La direzione artistica schiva errori temporali infondendo realismo in ogni quadro.

Il suono eleva tutto con colonna sonora che unisce folk tradizionale e orchestrazioni d’autore. Pezzi come canti operai o arie durante missioni amplificano emozioni. Effetti sono potenti con spari e zoccoli che echeggiano verosimilmente. Doppiaggio, specie in siciliano, aggiunge autenticità con prove di recitazione degne di nota. Cutscene sono filmiche con inquadrature drammatiche che richiamano classici.

Complessivamente la dimensione artistica è un fiore all’occhiello con dei colpi d’occhio mozzafiato e sound design avvolgente. Le palette cromatiche vivaci creano quella giusta e funzionale dissonanza con le tematiche trattate, talvolta intrise di violenza.

Pro della dimensione artistica

• modelli personaggi principali eccellenti con volti espressivi;
• colonna sonora sottolinea narrazioni con pezzi cantati fedeli all’epoca;
• doppiaggio siciliano primato ludico (ostico senza sottotitoli).

Contro della dimensione artistica

• NPC secondari mancano varietà;
• glitch texture e cali frame che spezzano magia;
• un mondo di gioco bello ma vuoto di attività extra.

Il confronto con i 3 videogiochi della trilogia di Mafia

Mafia: Terra Madre si misura con la trilogia tornando alle basi ma con plot twist propri. Il primo Mafia del 2002, ambientato negli anni Trenta a Lost Heaven, puntava su simulazione realistica con guida punitiva e trama lineare. Questo nuovo captitolo ne condivide linearità ma aggiunge stealth e duelli con coltello assenti nell’originale.

Mafia II ambientato negli anni ’40 e ’50 Empire Bay raccontava le gesta di Vito Scaletta e legami fraterni. La volontà di esplorare i legami è ripresa in Terra Madre ma la trama è meno sorprendente. Mafia II, inoltre, spiccava per le missioni secondarie, aspetto abbandonato in questo nuovo capitolo per evitare un eccessivo “allargamento”.

Mafia III del 2016 ha portato l’open world nella serie con la città di New Bordeaux negli anni ’60, con tocchi RPG e vendetta razziale. Terra Madre circoscrive i confini di gioco in funzione della narrativa ma perde tanto in varietà dell’offerta. Il setting siciliano dona freschezza ma perde il confronto con la profondità sociale offerta dal sud americano del terzo capitolo.

Death Stranding 2: On the Beach è un viaggio. Non un viaggio qualsiasi, ma uno di quelli che ti fanno fermare a riflettere, con un controller in mano e un groppo in gola. Hideo Kojima, il maestro visionario dietro Metal Gear, torna con il sequel del suo titolo più audace, e lo fa con un coraggio che pochi sviluppatori osano sfoggiare. Uscito nel 2025, questo gioco è una lettera d’amore al rischio creativo, un’esperienza che non si piega alle convenzioni e che chiede al giocatore di investire, non solo tempo, ma anche cuore e testa. È un gioco che divide, come il suo predecessore, ma che punta a restare impresso tra i ricordi.

Dopo aver trascorso decine di ore in questo mondo, tra deserti, città in rovina e connessioni umane che sfidano il tempo, siamo pronti a raccontarvi cosa rende Death Stranding 2 un’opera unica, con i suoi alti spettacolari e qualche perplessità lungo il cammino. Lanciamo un avviso che non vuole, però, spaventare nessuno: non è un gioco per tutti, ma per chi si lascia prendere. È un’avventura che lancia uno spunto di riflessione importante circa il modo di vedere e intendere i videogiochi, un possibile nuovo inizio per qualcosa che potrebbe venire.

Storia e Personaggi: la missione non è ancora finita

La storia di Death Stranding 2: On the Beach riprende le fila del primo capitolo, ma potrebbe anche non essere propriamente necessario averlo giocato per immergersi in questo sequel. Il titolo inizia con una sorta di prefazione che spiega, a grandi linee, gli eventi della prima avventura del famoso “portapacchi”, ma non basta per arrivare a comprendere il vero significato del Death Stranding e del segreto connesso (segreto che non viene svelato in alcun modo).

Sam Porter Bridges, interpretato da un Norman Reedus ancora una volta magnetico, torna come protagonista, ma non è più il lupo solitario del primo gioco. Ora è un uomo segnato dal passato, ma con una nuova missione: ricollegare ciò che resta dell’umanità in un mondo devastato dal Death Stranding, un evento che ha mescolato i confini e le dimensioni dell’umanità.

La trama si sposta su un nuovo continente, lontano dalle ambientazioni nordamericane del primo gioco, e introduce una narrazione più frammentata e onirica, che mescola temi di perdita, speranza e identità. Il cast di personaggi è uno dei punti di forza assoluti. Fragile, interpretata da Léa Seydoux, evolve da figura di supporto a co-protagonista, con un arco narrativo che esplora il suo passato e le sue scelte.

Nuovi volti, come il misterioso Tomorrow (Elle Fanning) e il carismatico Dollman (un pupazzo animato doppiato da un sorprendente Shioli Kutsuna), aggiungono strati di complessità alla storia. Ogni personaggio ha un peso emotivo, e Kojima non ha paura di prendersi il tempo per farli respirare, con dialoghi che oscillano tra il poetico e il bizzarro. La narrazione è densa (a volte troppo) e alcune sottotrame possono sembrare dispersive, soprattutto per chi cerca un ritmo più incalzante. Ma è proprio questa lentezza voluta che permette ai momenti di climax – come una scena a metà gioco che coinvolge un sacrificio straziante – di colpire dritto al cuore.

Tra i punti di forza della componente narrativa segnaliamo la presenza di personaggi profondi e memorabili (con alcune interpretazioni davvero stellari), una storia che affronta temi universali (come la connessione umana e il lutto) ed una sceneggiatura audace che non ha paura di sperimentare. Il rovescio della medaglia vede un ritmo lento che potrebbe scoraggiare chi cerca azione immediata, alcune sottotrame si perdono (e sembrano manchevoli di una giusta chiusura) e alcuni dialoghi, a volte, si presentano troppo criptici, (e che richiedono pazienza).

Gameplay: Un’evoluzione dinamica

Il gameplay di Death Stranding 2 rappresenta un’evoluzione di quello del primo capitolo, ma senza stravolgerne la formula. Vestiamo i panni di un corriere in un mondo post-apocalittico, e il nostro compito è sempre trasportare merci, costruire infrastrutture e connettere comunità. Detto così suona quasi come un more of the same, ma il gioco trasforma ogni consegna in un’epopea.

Il sistema di gestione del carico è ancora centrale: occorre bilanciare il peso, scegliere l’equipaggiamento giusto e pianificare il percorso su terreni insidiosi. Le novità stanno nei nuovi gadget – come droni più versatili e un esoscheletro che permette salti spettacolari – e in un sistema di combattimento più fluido.

Le battaglie contro le creature spettrali chiamate CA (Creature Arenate) sono più dinamiche, con opzioni per affrontarle stealth o in scontri diretti. Una delle aggiunte più interessanti è il sistema di “connessione asincrona” migliorato. Si possono costruire strade, ponti e rifugi che altri giocatori possono usare, e il gioco premia la collaborazione con un sistema di “like” che dà un senso di comunità.

È emozionante vedere come una scala lasciata da un altro giocatore possa salvarci da un burrone. Tuttavia, il gameplay può risultare ripetitivo per chi non si lascia catturare dal “calmo” ritmo meditativo. Le missioni di consegna, pur varie, seguono uno schema simile, e i combattimenti, ancorchè migliorati, non raggiungono la profondità di altri titoli d’azione. È un gioco che chiede pazienza e dedizione, ma ripaga con un senso di realizzazione unico.

Guardando, dunque, l’esperienza vissuta nel primo capitolo, in questa nuova avventura emerge sicuramente il nuovo sistema di gestione del carico che si dimostra profondo e soddisfacente, seguito dalla possibilità di sfruttare una connessione asincrona (in grado di amplificare la creazione di un senso di comunità), sino ad apprezzare la presenza di nuovi gadget e meccaniche che rendono l’esplorazione più varia. Di contro, giungono alcuni vecchi ricordi come il ritmo lento (che talvolta sembra sfociare nel monotono), i ritmi dei  combattimenti (migliorati ma non al livello di altri giochi d’azione) e la mancanza di originalità di alcune incarichi secondari.

Dimensione Artistica: In una parola, Capolavoro

Dal punto di vista artistico, Death Stranding 2 è un capolavoro. Il mondo di gioco è un personaggio a sé, con paesaggi che spaziano da deserti aridi a foreste luminescenti, fino a città in rovina che sembrano uscite da un dipinto surrealista. Il Decima Engine, già impressionante in Horizon: Forbidden West, qui raggiunge vette incredibili, con una cura per i dettagli che lascia a bocca aperta. La pioggia che scorre sul viso di Sam, i riflessi sulle superfici, le animazioni dei personaggi: tutto è realizzato con una precisione maniacale.

La direzione artistica di Kojima mescola elementi realistici e fantastici, creando un’atmosfera che è allo stesso tempo aliena e profondamente umana. La colonna sonora, curata da Ludvig Forssell con contributi di artisti come Low Roar, è un altro punto di forza. Le tracce si attivano nei momenti giusti, amplificando l’emozione di un lungo viaggio o di una scena drammatica. Anche gli effetti sonori – dal rumore dei passi sul terreno al lamento delle CA – sono perfetti.

L’unico difetto è che alcune ambientazioni possono sembrare meno ispirate rispetto al resto, con una ripetitività visiva che stona con la varietà iniziale. Ma è un dettaglio minore in un comparto artistico che rasenta la perfezione.

Per ricapitolare, la direzione artistica è il fiore all’occhiello di questa produzione, in grado mescolare realismo e surrealismo in maniere inecceppebile. La colonna sonora emozionante e perfettamente integrata rispetto a questa mescolanza, con il Decima Engine che si presenta in splendida forma. È vero, alcune ambientazioni si dimostrano meno ispirate rispetto ad altre, ma è come cercare il pelo nell’uovo in un comparto che si presta solo a dei grandi plausi.

F1 25 è arrivato e il rombo dei motori è più forte che mai. Sviluppato da Codemasters e pubblicato da EA Sports, questo titolo vuole proseguire il percorso tracciato da F1 24 e, in un certo senso, cercare un riscatto. Con modalità rinnovate, un handling più realistico e un tie-in col film F1, il gioco punta in alto, ma riuscirà a conquistare anche i veri fan della Formula 1?  La serie videoludica dedicata alla F1 è un must per gli amanti delle corse, ma in questi anni ha vissuto un altalena di alti e bassi. Lo scorso F1 24, se vi ricordate, venne criticato per la guida troppo arcade e poche novità.

F1 25 risponde con un modello di guida affinato e modalità più ricche. Le piste scansionate al laser e l’IA migliorata promettono un’esperienza autentica. Con un occhio ai veterani e uno ai nuovi arrivati, il gioco cerca il giusto equilibrio. Scopriamo se merita la pole position in questa nostra recensione di F1 25 titolo, vi ricordiamo, giocato nella sua versione per console PS5.

Braking Point 3, il film sull’ascesa di una leggenda

F1 25 non è solo velocità, ma anche una storia che intriga. Braking Point 3 torna dopo l’assenza in F1 24, portando dramma e rivalità in pista. Ambientata nel team fittizio Konnersport, segue Aiden Jackson, Callie Mayer e Devon Butler. La trama esplora tensioni familiari e ambizioni, con un vibe che ricorda la famosa serie Netflix “Drive to Survive”. La storia viene influenzata con le nostre decisioni, ogni scelta cambia i rapporti tra i diversi personaggi ed influenza le strategie del team. A tratti un po’ melodrammatica, nello scorrere dei 15 capitoli la narrazione riesce comunque ad attirare l’attenzione.

Le cutscene sono ben realizzate, con un doppiaggio in italiano svolto egregiamente. Tuttavia, le animazioni facciali a volte risultano innaturali, con espressioni troppo marcate. Rispetto a F1 23, Braking Point 3 è più profondo, con una narrazione più fluida. La modalità offre quattro difficoltà, perfette per esperti e principianti. Ogni capitolo mescola gare con obiettivi unici, ideale per chi scopre la F1 anche fuori dal videogioco.

Molto interessante il tie-in col film F1 (con Brad Pitt nei panni di Sonny Hayes) che aggiunge un tocco hollywoodiano a questa iterazione. Si può guidare, infatti, per il team APXGP in una missione iniziale. Altri contenuti arriveranno come DLC dopo il 25 giugno 2025.

Le novità del gameplay

Il gameplay di F1 25 è il cuore pulsante del titolo. Codemasters ha rivisto il modello di guida dopo le critiche a F1 24. Le auto sono più realistiche, con un handling che richiede precisione. Il DualSense su PS5 rende ogni cordolo e frenata viva. Il sottosterzo è più evidente, costringendoti a calcolare le curve. Le gomme si consumano in modo credibile, influenzando le strategie. Rispetto a F1 24, la guida è meno arcade e più coinvolgente. Non siamo ai livelli di iRacing, ci mancherebbe, ma potrebbe soddisfare una fetta di pubblico ben più ampia delle passate iterazioni.

Le piste scansionate con tecnologia LIDAR sono un highlight. Circuiti come Imola, Miami e Suzuka brillano per dettagli incredibili. I cordoli e le barriere sono riprodotti con precisione maniacale. Tuttavia, solo cinque piste hanno ricevuto questo trattamento. Altri circuiti, come Hungaroring, sembrano meno rifiniti. Una novità curiosa è correre in senso inverso su Silverstone e Zandvoort. Divertente per qualche giro, ma non aggiunge molto altro al realismo. L’IA è stata migliorata, con avversari più aggressivi e credibili.

Le opzioni di assistenza rendono il gioco accessibile ai principianti. Puoi regolare freni, trazione e traiettorie ideali. I tutorial vocali, però, sono invadenti e ripetitivi (i “veterani” possono disattivarli per un’esperienza più pulita). I server online erano poco popolati al lancio, limitando il multiplayer, ma con il tempo li abbiamo visti crescere in numero. In generale, il gameplay è fluido e coinvolgente, con miglioramenti evidenti rispetto al passato. È un’evoluzione che soddisfa senza stravolgere la formula.

Modalità di gioco: eccellenze e “copia e incolla”

Sul fronte modalità, si prosegue dalla stagione precedente, con alcuni miglioramenti che sono apparsi sensibili. My Team è il vero gioiello, apparso completamente rinnovato. Non si vestono più i panni di pilota-proprietario, ma quello di team principal con due piloti da gestire (si può chi far guidare in ogni gara). Sul fronte realismo, le decisioni su sponsor e ricerca influenzano sensibelmente le prestazioni in gara. L’editor di livree permette design molto personalizzati, un bel passo avanti rispetto a F1 24. I menu, però, sono complessi e a volte frustranti. Rispetto alle edizioni passate, My Team sembra aver assunto una componente più strategica, quasi un RPG a tema corse. A conti fatti, è la modalità più completa di questa nuova edizione.

F1 World torna con eventi online e ricompense cosmetiche. Include un Battle Pass, ma la sua presenza non sembra aver attirato l’attenzione della community. Rispetto a F1 24, aggiunge l’Invitational Mode, che premia il fair play. Obiettivi come sorpassi puliti o gare senza incidenti variano (e premiano) l’esperienza. La Challenge Career offre scenari a tempo, ideali per sfide offline. È una novità rispetto al passato, ma non rivoluzionaria (anche se accolta di buon grado).

La modalità Driver Career si presenta quasi come una fotocopia della precedente iterazione, deludente sul fonte della “freschezza”. La componente multigiocatore offre gare competitive e split-screen. Rispetto a F1 23, l’IA online è più bilanciata, ma attendiamo con ansia il popolamento dei server a pieno regime.

Confronti con le Edizioni Precedenti

Rispetto a F1 24, il gameplay è un netto miglioramento. La guida era oggettivamente diventuta troppo semplice, con auto esageratamente stabili. F1 25 introduce più sottosterzo e feedback realistico. Rispetto a F1 23, il modello è simile, ma più rifinito. Le piste LIDAR-scansionate (Imola, Miami, Suzuka) sono un salto rispetto a F1 24.

Solo cinque circuiti le usano, mentre altri sembrano datati. La possibilità di correre in reverse su Silverstone è nuova, ma, a nostro avviso, potrebbe “morire” nelle more di questa iterazione. L’IA è più aggressiva rispetto a F1 24, con sorpassi credibili.

Sul fronte modalità, My Team in F1 24 era stagnante, mentre qui è apparso ben più profondo. F1 World resta simile, al netto delle tanto criticate microtransazioni. In generale, il gameplay è apparso più ricco e coinvolgente.

Dimensione Artistica: respirare l’asfalto

F1 25 è un trionfo visivo e sonoro. L’EGO engine spreme il massimo la potenza di calcolo di PS5 e i risultati si vedono. Le piste LIDAR-scansionate sono spettacolari, con dettagli che catturano l’anima della F1. Miami brilla al tramonto, Suzuka ha ciliegi realistici. Gli effetti di luce sono dinamici, con ombre che cambiano. La pioggia è incredibile, con spruzzi che si accumulano sulle gomme.

L’audio è un punto di forza. Le comunicazioni radio usano voci reali dei team. La colonna sonora elettronica dà un ritmo moderno, perfetto per la F1. Le cut-scene di Braking Point sono curate, ma i volti sembrano a volte plastici. Rispetto a F1 24, i podi sono più animati, ma non rivoluzionari. Il tie-in col film F1 aggiunge un tocco cinematografico, con APXGP che spicca.

L’editor di livree è fantastico, permettendo design unici. I menu, però, sono troppo simili a F1 24. Le auto mostrano usura realistica, come sporco e graffi. Alcuni circuiti non LIDAR sembrano meno curati. Rispetto alle edizioni precedenti, la grafica è un passo avanti, ma non è enorme. La presentazione degli eventi cattura il glamour della Formula 1 moderna, creando una sola di filo conduttore con l’esperienza reale.