La serie di The Dark Pictures Anthology si arricchisce con un nuovo capitolo, The Devil in Me, il titolo di questa nostra recensione per console PS5. Rispetto alle nove avventure promesse da SuperMassive Games siamo a quota 4, portando a termine la prima stagione e in attesa di una seconda che, al momento, non è ancora inserita in calendario. I questi 4 capitoli, il papà di Until Dawn – salvo una brevissima parentesi con The Quarry – ha sviluppato una storia episodica dove l’unico filo conduttore è stata la presenza del Curatore.

Ogni capitolo vive e muore, con un tema a farne da padrone e una storia che lambisce fatti reali ma liberamente interpretati. Man of Medan ci ha portato a bordo della SS Ourang Medan, Little Hope ci proietta ai tempi della caccia alle streghe, House of Ashes, infine, disvela nelle viscere della terra l’esistenza della mitologica Babilonia. Il pretesto “storico” è un modo intelligente per coinvolgere il giocatore in qualcosa che conosce e che appartiene alla realtà.

The Devil in Me, al pari dei precedenti 3 capitoli, ci vuole raccontare una storia, quella del primo serial Killer americano. 27 omicidi a lui imputati, anche se si ritengono molti di più, quasi tutti commessi all’interno del suo castello degli orrori, il World’s Fair Hotel. Il gioco inizia, come di consueto, con un prologo di matrice storica che ci ricongiunge ai giorni nostri. Solo un modo per introdurci nel contesto degli eventi di questo quarto capitolo della serie The Dark Pictures Anthology.

Concludiamo, quindi, questa Season 1 esplorando una nuova dimensione della paura. Come sempre, ogni nostra scelta porterà a delle conseguenze, che, sommate tra loro, condurrano ad uno dei diversi finali previsti. Senza perdere ulteriore tempo, vi lasciamo alla nostra recensione di The Devil in Me, titolo, vi ricordiamo, giocato nella sua versione per console PS5.

Prime impressioni: Un escape game mortale

È passato poco più di anno dall’ultima avventura di House of Ashes. Il terzo capitolo della saga The Dark Pictures Anthology, con un biglietto di sola andata verso le profondità della terra, aveva toccato il genere sci-fi/horror, aprendo la strada verso il cruento. La trama apparve “scontata” sin dalle prime battute, con quei mutaforma che all’inizio sembravano degli strani vampiri ma che poi si sono rivelati tutt’altro.

Ora il nemico è un “solo” uomo, o meglio il remake di un altro realmente esistito. Non andiamo oltre su quest’aspetto, onde evitare sgradevoli spoiler, ma l’idea di avere a che fare con un serial killer all’interno di un escape game è molto allettante. Il ricordo è andato al mitico SAW L’enigmista, anche se la componente psicologica non è così preponderante come la pellicola di James Wan.

Qui è tutto molto più semplice. Fai delle scelte e beccati le conseguenze. L’ansia da prestazione viene enfatizzata da alcuni graditi ritorni come il controllo del battito cardiaco e le sequenze in cui non si deve far rumore per attirare l’attenzione del carnefice. L’aggiunta di peso è data dai momenti stealth, dove ci si deve nascondere per evitare sguardi che possono decretare la nostra fine anzitempo.

La prima parte del gioco, quella in esterna, ha attirato tutta la nostra attenzione sotto il profilo artistico. La cura dei dettagli, e la fotografia degli scenari in genere, è tra le migliori dei 4 capitoli. Fuori concorso, se la gioca sicuramente con The Quarry. Quello che ci è piaciuto forse meno sono stati i movimenti dei protagonisti, troppo legnosi e talvolta poco verosimili. Ed è qui che si è compreso come questa Season 1 sia arrivata “stanca” al suo capitolo finale.

Contesto di gioco: Le forme della paura

The Devil in Me ci fa rivivere, in chiave assolutamente moderna, quelle che accadde all’interno del World’s Fair Hotel. Un tale di nome Granthem Du’Met, all’apparenza presentatosi come un misterioso benefattore, invita tutta la crew della Lonnit Entertainment nella sua residenza sita su un’isola vicino alle coste del lago Michigan. Il sig. Du’Met è un collezionista di artefatti e cimeli appartenenti al noto serial killer H.H. Holmes, e l’idea di poter girare un episodio della loro serie dedicata ai famosi omicidi alletta quasi tutto lo staff.

Forse più per denaro che per puro spirito di avventura, il gruppo capitanato dall’introverso Charlie Lonnit si imbarca verso quella che potrebbe essere la fine anticipata del loro programma televisivo. È chiaro sin da subito che qualcosa non torna. Il sig. Du’Met sembra nascondere qualcosa e il contesto dell’isola è tutto fuorché idilliaco. La più sveglia del gruppo, la reporter Kate Wilder, capisce subito che c’è molto di più di quello che sembra.

La formula del survival horror, in questa occasione, viene somministrata in formato escape game. Sinora si era rimasti in un qualcosa che era legato alla parte esplorativa. Volendo trovare delle similitudini con qualcosa che conosciamo molto bene, il contesto è simile a quello di Resident Evil, meno la componente fantastica dei diabolici enigmi. Il tutto va pesato nell’economia della stagione 1, ricordando quanto visto nei primi 3 episodi.

Supermassive Games si è limitata a non stravolgere mai le dinamiche di gameplay ma solo ad effettuare dei piccoli fix tra un capitolo e l’altro. Di contro si è spesa oltremodo per realizzare sempre una storia convincente quanto credibile, con personaggi in grado di rendere al meglio. Tolto Man of Medan, Little Hope e House of Ashes, hanno evidenziato un breve declino della componente creativa. The Devil in Me interrompe questo trend negativo ma senza grossi scossoni. Non vi aspettate gli stessi scary moment vissuti all’interno della SS Ourang Medan.

Gameplay: Alcune novità sì, ma non troppe

The Devil in Me, al pari dei suoi predecessori, propone un gameplay basato sulle dinamiche del causa-effetto. Ad ogni nostra azione corrisponde una conseguenza, che può manifestare i suoi effetti nell’immediato ma anche nel lungo termine. Vi sono diversi fattori da tener presente prima di capire se una scelta fatta ci porta all’effetto desiderato, ma non esiste mai una “scelta giusta”. Si prende una decisione e si attende l’esito, bello o brutto che sia.

Non vale nemmeno il discorso legato al personaggio principale, visto che morto un papa se ne fa un altro. È quasi impossibile non simpatizzare per uno piuttosto che un altro, come anche individuarne qualcuno non necessario per lo svolgersi degli eventi. Resta il fatto che le relazioni e i connotati caratteriali giocano un ruolo fondamentale per l’interazione tra i vari protagonisti della storia. Non siamo ancora ai livelli di un’intelligenza artificiale in grado di interpretare i comportamenti, magari nella season 2 qualcosa cambia.

I Quick Time Event tornano più in forma che mai. In alcuni momenti verrà richiesto uno sforzo ai nostri riflessi affinché si raggiunga un determinato obiettivo. Non è detto che però la nostra bravura venga premiata con un qualcosa di non doloroso. A volte, infatti, è meglio perdere che trovare. Lasciando da parte modi di dire e luoghi comuni, è interessante la presenza dei momenti stealth, un qualcosa di già visto in House of Ashes e a tratti in The Quarry.

Tra le assolute novità troviamo la possibilità di evitare gli sguardi indiscreti, nascondendosi o celando la propria presenza. Può sembrare, passateci il termine, una “fesseria” ma il tutto diventa coerente quando c’è la propria vita in gioco. Sicuramente, nelle sessioni in esterna assume una connotazione diversa rispetto ai momenti claustrofobici del tremendo escape game che ci attende dentro la residenza del sig. Du’Met.

Dimensione Artistica: Bene, ma non benissimo

Un crescendo sotto il profilo grafico, ma per il resto vi sono ancora alcuni grandi interrogativi che necessitano una risposta rapida. The Devil in Me ci porta a fare questa considerazione, al netto delle tre precedenti esperienze. La nuova generazione di console è servita, senza ombra di dubbio, ad enfatizzare le doti realizzative di Supermassive Games. I comparti grafico e sonoro dell’intera saga sono ineccepibili, e sappiamo tutti quanto queste componenti incidano in un survival degno di questo nome.

Se da una parte il “progresso” è servito ad allietare il palato del gamer esigente, da una altra vi sono degli aspetti che inspiegabilmente sono rimasti tali senza interventi correttivi. Le animazioni, in primis, appaiono piuttosto datate e talvolta anche poco verosimili. Stesso discorso vale per la mimica facciale e gli sguardi, che non sembrano minimamente far trasparire l’enfasi del momento. La sequenza iniziale, sotto questo aspetto, ci regala dei momenti piuttosto dubbi.

Arrivati al termine della stagione, e senza essere intervenuti su questi aspetti (elementi già noti in Man of Medan), fa capire come la saga sia arrivata “stanca”, o quanto meno con la voglia guardare oltre. Lo abbiamo visto in Life is Strange: True Colors come questo dettaglio serva a concretizzare al meglio il fattore immersione e vivere ogni momento di gioco. Un survival non può non tener conto di questo aspetto e la Season 2 deve, senza ombra di dubbio, intervenire nel migliore dei modi.

Le sequenze in esterno regalano degli scenari che ci hanno fatto tornare in mente quanto visto in The Quarry, seppur il titolo non appartenesse alla saga di The Dark Pictures Anthology. Quell’isola con il faro è stato è un bel tributo alla terrificante esperienza vissuta nel campeggio estivo di Hackett’s Quarry. Una cura dei dettagli sopra le righe, d’altronde sotto questo aspetto, Supermassive Games non ci ha mai deluso.

In conclusione

Giunge il momento di tirare le somme rispetto alla nuova esperienza con il quarto capitolo della saga The Dark Pictures Anthology. The Devil in Me, come i suoi predecessori, si affida alla storia per raccontare una storia. Questa volta al primo serial killer americano, che ritorna ai giorni nostri con un efferatezza che lascia basiti. Quell’ondata cruenta che aveva toccato le coste di The House of Ashes, diventa una marea in questo nuovo episodio. Scelta che ci sembra giusta, anche rispetto alla tematica trattata. 

Ma non basta affidarsi, solo, al gore ed alla violenza per stimolare l’interesse del pubblico. Gli scary moment mancano già da qualche capitolo a questa parte, e la cosa non è un bene per un survival horror. Bene il gameplay che introduce alcune nuove dinamiche dall’aspetto molto interessante. Un po’ meno le animazioni dei personaggi, che richiedono un intervento di restyle non indifferente. Dimensione artistica, invece, sempre al top della forma. 

Il celebre riccio di casa SEGA sfreccia in un mondo aperto in Sonic Frontiers, il titolo di questa nostra recensione per console PS5. Il colosso giapponese tenta di dare una nuova luce alla sua famosa star, scegliendo un approccio più in linea con le tendenze attuali. Un action RPG di matrice open world, precisamente, con tanto di skill tree e stats potenziabili del personaggio. Insomma, una vera e propria novità per il franchise.

La prima impressione è quella di un ritorno al passato, quanto a modelli di fruizione del titolo. La scelta, infatti, è quella di costruire due momenti separati – quello open world e dei livelli – un po’ come succedeva in Sonic Adventure. Parliamo di un qualcosa visto oltre 20 anni fa, per cui la scelta è parsa un tantino superata. E si dimostra tale anche in fase di gameplay, con questa separazione che non fa molto bene al fattore immersione.

La storia non è delle migliori (anzi, è forse tra le peggiori sinora incontrate) e i personaggi si dimostrano inconsistenti e privi di una giusta collocazione. La scelta di costruire due realtà, quella dei 5 mondi e della controparte digitale, è un buon pretesto per far convivere le due anime del titolo. Sage sembra uscita direttamente da Naruto: Shippuden, e precisamnte come membro onorario dell’ehi fu Akatsuki. Un bel personaggio sì, ma non troppo originale.

La dimensione artistica non ci ha lasciato stupiti. Come open world si poteva decisamente fare molto meglio, anche se capiamo la voglia di non offuscare troppo la componente action del gioco. Sotto quest’ultimo aspetto si può stare tranquilli, Sonic torna in grandissima forma. Senza proseguire oltre, vi lasciamo alla nostra recensione di Sonic Frontiers, titolo, vi ricordiamo, giocato nella sua versione per console PS5.

Prime impressioni: due anime in gioco

Arriviamo al cospetto di Sonic Frontiers dopo le recenti esperienze di Sonic Colours e Sonic Forces, le ultime che vedono il famoso riccio impegnato in un contesto a 3 dimensioni. È importante fissare l’attenzione sulle ultime due uscite sul campo perché ritroviamo parecchi aspetti di queste passate esperienze, ma in un modo del tutto anomalo (e aggiungiamo anche privo di una giusta contestualizzazione).

Eravamo convinti di trovare un Sonic che scorrazzava in una nuova dimensione completamente open world, libero di fare quello che voleva, come voleva e quando voleva. E così è stato, sino al momento in cui ci siamo scontrati con quello che vi abbiamo raccontato pocanzi, che possiamo tranquillamente definire come “dimensione livellare”. Vi sono, infatti, dei momenti di gioco in cui il mondo aperto si chiude su se stesso in una sorta di dimensione digitale, a metà tra Sonic Colours e Sonic Forces.

Immaginate, quindi, di essere reduci da un combattimento frenetico con un’ondata di nemici agguerrita per poi ritrovarvi a collezionare monete e stelline, mentre correte e saltate su svariate piattaforme fisse e mobili. Ok, è il marchio di fabbrica del famoso riccio di casa SEGA, ma una netta separazione del genere non è “cosa buona” in chiave immersione. La separazione in “momenti di fruizione” è l’esatto opposto di quello che prevede il genere open world.

Il primo impatto è stato questo, ed è stato così sino alla fine del quinto mondo di gioco. Si, ok, gli ecosistemi cambiano così come i nemici di turno. Alla fine, però, tutto si riduce all’ossessivo compulsivo collezionare chiavi ed ingranaggi, per poter arrivare allo smeraldo del chaos. Unica nota di colore, la componente action – del solo lato open world – è ben realizzata, così come l’essenziale skill tree che potenzia il nostro Sonic.

Contesto di gioco: alla ricerca di Sonic

L’esperienza di Sonic Frontiers non può essere analizzata e, permetteteci di aggiungere anche “compresa”, se non si ricorda tutto quello che è stato. Il motivo è molto semplice: è la somma di tutte le esperienze passate, delle correzioni, degli umori della community e della voglia del famoso Team Sonic di dare un nuovo corso alla saga. Ritroviamo tutto questo nell’ultima uscita sul campo del famoso riccio blu di casa SEGA, anche se nella vita o si rischia tutto oppure ci si accontenta di un’ennesima occasione persa.

Correva l’anno 1998, quando approdava, sull’ehi fu Dreamcast, Sonic Adventure. La storia ci insegna molto in materia di videogiochi. Se si guarda, infatti, il gameplay di questo titolo ritroviamo moltissime dinamiche anche in Sonic Frontiers. Quella netta separazione tra Action Stages e Adventure Fields, una netta separazione tra dimensione livellare ed open world. La cosa simpatica è che poi nel 2001, con Sonic Adventure 2 si comprese che ci voleva un pizzico di sana novità per ravvivare la formula, inserendo nuovi personaggi giocabili e numerosi eventi in game extra-story.

Da lì in avanti siamo stati testimoni di una saga che faticava a ritrovare lo smalto di un tempo, quasi come se fosse uno specchio del declino del famoso colosso nipponico, che, dopo 18 anni di successi nel mondo delle console domestiche, lasciava ampio spazio alla concorrenza stoppando, sempre nel 2001, la produzione del Dreamcast. Coincidenze? Mah, ci crediamo veramente poco.

Negli anni che seguirono ci furono numerose sperimentazioni, ma nessuna aveva quella capacità di dire “Ohi, ma lo sai che sta cosa è proprio una novità?”. Sonic Frontiers ci prova, e vi dobbiamo dire che in parte ci riesce. La storia ospita i personaggi che abbiamo avuto modo di conoscere in questi ultimi 20 anni della serie, con numerosi contributi del mondo dell’animazione e del cinema. È, però, un’occasione persa di un team di sviluppo che è alla continua ricerca di una soluzione che è davanti ai loro occhi, ma che non vogliono cogliere per paura di “stravolgere” il credo di una saga. Conosciamo tutti il destino di chi non osa…

Gameplay: la parte action salva tutto

Piatto forte di Sonic Frontiers è senza alcun dubbio il gameplay. Il team Sonic ha puntato tutto questo aspetto, costruendo delle meccaniche di gioco basate su una progressione del personaggio non troppo complessa. Skill tree e stats del PG non viaggiano sullo stesso binario. Le cose da fare sono diverse, anche se entrambe obbligano il giocatore di turno ad esplorare la mappa in lungo e in largo.

Per invogliare nella scoperta le diverse zone della mappa appaiono come mascherate da un misterioso colore grigio. Solo dopo aver svolto alcuni incarichi minimali si ottiene come ricompensa il disvelamento di una porzione di mappa, con possibilità di individuare il POI con un segnalino. Un’operazione che dovrete ripetere in maniera sistematica onde evitare di girovagare senza meta sulla mappa.

L’obiettivo è quello di collezionare gli Emerald Chaos che ci permettono di affrontare il boss finale del mondo attraverso la trasformazione in Super Sonic (una versione Super Saiyan di Sonic, ndr). Per raggiungere questo traguardo servono essenzialmente due cose: chiavi ed ingranaggi. Gli ultimi vanno inseriti all’interno di altari che consentono il transito nella dimensione digitale, quella dedicata al classico stage in stile platform. Le nostre performance vengono valutate attraverso il rilascio di chiavi. Queste, a loro volta, trovano una giusta collocazione all’interno di un dispositivo che protegge l’Emerald Chaos. Ovviamente non finisce qui, ad attendervi ci sarà sempre un mini boss piuttosto arrabbiato.

La scelta di far crescere le potenzialità di Sonic all’interno di un sistema bifase – con skill tree e stats non direttamente connessi – invita spintaneamente il giocatore a fare quello che che si deve. Il problema è che questo loop delle meccaniche di gioco viene rifilato sempre e solo nello stesso modo, cambia solo lo scenario. Troppo poco per un titolo che si è presentato al pubblico come un action open world.

Dimensione Artistica: si poteva fare di meglio

Un aspetto che ha sempre influenzato marginalmente un titolo della serie Sonic è quello legato alla componente artistica. Sonic Frontiers sembra alzare il ditino per dirci che forse la musica è cambiata. Ad onor del vero, nel mezzo del cammin di avvicinamento all’uscita del titolo ci eravamo accorti che il celebre Team Sonic aveva riservato alla componente artistica un ruolo non marginale. Solo il fatto di avere a disposizione un’ambiente open world lascia intendere una caratterizzazione degli scenari diversa rispetta al passato.

Ed è cosi infatti, anche se non vi dovete aspettare lo stessa resa di Horizon Forbidden West, Ghost of Tsushima e God of War Ragnarok, giusto per citarne alcuni. Si difende bene, sicuramente, caratterizzando i 5 mondi a disposizione in maniera più che accettabile. Certo, la qualità generale delle texture e i dettagli di specie peccano di risoluzione e definizione. Tenendo fuori da questa considerazione i personaggi – sia essi principali che non – gli elementi di contesto non sono molto particolareggiati. Forse un’attenzione maggiore non sarebbe stata poi così malvagia.

Interessante il ciclo notte/giorno, in grado di caratterizzare i momenti più importanti del riccio contro le forze oscure guidate dall’imperturbabile Sage. Grindare alle prime luci dell’alba ha il suo perché, così come i temibili scontri per acciuffare il desiderato Emerald Chaos. L’inconsistenza narrativa della storia non ci ha permesso alcuna valutazione di natura immersiva: fattore catartico con la storia e i personaggi molto molto basso.

Sotto il profilo sonoro, il tutto è molto nella norma. Non vi è una colonna sonora – al netta della sola componente open world – che ci coinvolge nell’azione e nell’avventura. La musica, in tutti i sensi, cambia quando si transita nel mondo digitale. La sezione “a livelli” è aiutata da numerosi bpm di accompagnamento, che alimentano la nostra voglia di fare cose folli nei panni del celebre riccio supersonico. Alla fine, gira che ti rigira, certe cose non cambiano mai… oppure sono belle così, anche se non riescono a cambiare.

La fine di tutto è giunta in God of War Ragnarök, il titolo di questa nostra recensione in esclusiva su console PS5. Si riparte da dove eravamo rimasti, con un Kratos che sente il peso delle sue responsabilità ed un Atreus che, invece, sfrutta ogni occasione per far irretire il severo padre. Severo sì, ma sempre presente e pronto a sacrificarsi per il “sangue del suo sangue”. A distanza di oltre 4 anni dallo storico reboot della saga, siamo dinnanzi a quello che è facile definire come un punto di arrivo.

Non è da considerare come un “oddio non ci saranno più altri capitoli di God of War”, ma si è raggiunto un culmine narrativo che è tra i più alti della serie. Uno status particolarmente importante che investe storia, personaggi e gameplay, con una scontata nuova candidatura ai The Game Awards 2022. Aggiungiamo, accanto al termine “scontata” anche “meritata”. Di fatto God of War Ragnarök è tra la più attese ed interessanti esperienze di questo 2022.

I nostri ricordi ci hanno portato a ragionare di confronti con quanto visto nel 2018. Santa Monica Studios ha edificato questo nuovo capitolo senza stravolgere quanto di buono aveva già fatto. La prima parte del gioco, infatti, è come se fosse un breve ma intenso riassunto delle puntate precedenti, con una versione next-gen di Kratos che lo vede più reattivo e dinamico. Ma è solo il preludio, un piccolo antipasto rispetto a quello che poi ci attende nel corso del gioco.

Ve lo diciamo sin da subito: ci vuole tanta pazienza e un briciolo di costanza. God of War Ragnarök non svela la sua vera natura subito. Prendetelo come un messaggio subliminale da parte degli sviluppatori americani, che vi invitano a non avere fretta e prendervi il vostro giusto tempo. Di cose da fare ce ne sono moltissime, con un’estensione della mappa di gioco che rassicura in tal senso. Vi lasciamo, quindi, alla nostra recensione di God of War Ragnarök, titolo, vi ricordiamo, giocato in esclusiva su console PS5.

Prime impressioni: subito già pronti sul “pezzo”

Era il 2018, l’ultima apparizione di Kratos e della new entry Atreus, figlio “di sangue” del guerriero spartano. Santa Monica Studios era riuscita laddove in molti pensavano avrebbe fallito, e il Game Director Cory Barlog si è ritagliato un posto nel grande libro della storia dei videogiochi. È utile ricordare questo momento in quanto God of War Ragnarök è una naturale e fisiologica prosecuzione di quell’avventura.

Andiamo, però, anche oltre questa affermazione, lanciando un monito a tutti coloro che non hanno avuto modo di concludere l’avventura di cinque anni fa: molte cose, purtroppo, non le comprenderete a dovere. Fortunatamente siamo riusciti a portare a termine – con molta fatica- quel capitolo del nuovo corso di Kratos, archiviando la pratica Baldur con molti sacrifici. Quanto appreso in quelle ore gioco lo abbiamo subito rimesso in pratica senza incorrere in esami di riparazione. La memoria muscolare del videogiocatore ci ha permesso di rimettere in moto quelle meccaniche e quelle dinamiche di gameplay che definire speciali e oltremodo riduttivo.

Il Fimbulwinter, l’antipasto servito prima dell’inizio della “Fine dei Giorni”, conosciuto come il famoso Ragnarök, soffia imperterrito sopra i nostri due eroi. La prima impressione è quella di un Kratos stanco ed un Atreus altezzoso è oltremodo sicuro di sé. L’ex generale spartano, riconosciuto da Thor stesso come Dio della Guerra, sembra quasi ricercare a tutti i costi la pace. Quasi come a voler mettere da parte, una volta per tutte, la sua vera natura.

Una costante, questa, che accompagnerà l’evolvere di tutto il contesto e degli eventi di gioco. Due cose spiccano su tutte: una reattività di controlli formidabile e una dimensione artistica che lascia a bocca aperta. Due aspetti che accenniamo solo in questa occasione ma che verranno approfonditi nel corso della nostra recensione di God of War Ragnarök. Dire che Santa Monica Studios ha appena sfornato il candidato perfetto per il GOTY 2022 è pressoché scontato, ma non possiamo andare oltre questa previsione. L’anno che sta per chiudersi ha visto tanti e troppi aspiranti al podio.

Contesto di gioco: punto e a capo

Si può giocare a God of War Ragnarök senza aver giocato a God of War (2018)? La risposta è un secco no. Non scendiamo nemmeno a compromessi e non è da noi farlo. Il rischio, però, è quello di perdersi una fetta troppo importante circa l’esperienza generale di gioco, oltre che funzionale ad una giusta digestione del sequel realizzato da Santa Monica Studios. Non si tratta, però, solo di un discorso legato alla storia e ai personaggi.

Per bypassare questo gli sviluppatori hanno introdotto una sorta di riassunto delle puntate precedenti, dove viene illustrato per sommi capi che cosa è successo nel corso del primo capitolo. Noi vi parliamo, invece, di tutto quello che riguarda il gameplay, la crescita del personaggio, il modo di combattere e di affrontare il mondo di gioco con la conseguente dimensione esplorativa. Non vogliamo fare sempre la figura dei romanticoni e dei nostalgici che ricordano i tempi che furono, ma è importante assimilare il perché di alcune scelte.

Al momento non ci è dato sapere se esisterà un terzo capitolo della parentesi Norrena. La famosa profezia, svelata nel corso del primo capitolo, parlava abbastanza chiaro. Addirittura, sembrava aprire la strada verso altre saghe, in altri firmamenti e mitologie. Interrogativi che permangono nel corso delle circa 20/30 ore di gioco preventivate ai fini dell’arrivo di una risposta. In questa parentesi temporale succedono “cose” che cambiano un po’ alcuni preconcetti legati al ex generale spartano.

La manifestazione del lato umano di Kratos, su tutti, è una stata una assoluta novità. Un aspetto che ha giocato un ruolo fondamentale per la costruzione di un seguito coerente e credibile rispetto quanto visto in occasione del reboot della saga di God of War. Una ripartenza che non è stata solo tecnologica ma anche ideologica dell’intero franchise. Un Kratos che (ri)scopre sé stesso attraverso la perdita della seconda moglie e la crescita del suo secondo figlio, ricordando ancora la tragica fine della sua famiglia ai tempi della guerra contro Zeus. Ed è normale incontrare un Kratos stanco, riluttante a combattere contro un Thor che che attendeva la manifestazione della vera essenza del Dio della Guerra. Kratos che si ritira dalla lotta, ci credete veramente?

Gameplay: prima ci illude e poi sorprende

Al pari di quanto visto nel 2018, God of War Ragnarök si presenta come un action RPG di matrice open world. La ricetta base non cambia di una virgola rispetto l’esperienza di cinque anni orsono, ripresentando lo stesso bilanciamento perfetto delle diverse componenti in gioco. Uno skill tree non troppo complesso, una parte action che segue la progressione del personaggio e la presenza di ondate di combattimenti randomici che culminano con la presenza di un mini-boss. Partiamo da quest’ultimo aspetto, per poi ritornare ai primi.

Prima di lanciarci in considerazioni del caso è opportuno fare presente che tutto quello che vi diremo è figlio dell’insano livello di difficoltà scelto. Giocando a God of War Ragnarök a difficoltà “Dio della Guerra” si ha la possibilità di apprezzare meglio il livello di intelligenza artificiale dei nemici in campo. Considerazione da valutare anche rispetto al grado di reattività dei controlli, che non lascia spazio a zone morte. Invero qualcosina la dobbiamo segnalare quando si è nella sfortunata situazione di sferrare un colpo mentre l’avversario prepara il suo. Ogni tanto succede, purtroppo, che ingiustamente si ha la peggio perché impossibilitati nel fare altro.

Quando le situazioni diventano affollate e difficili da sostenere, l’insorgenza dell’ansia da prestazione è fisiologica. Nel corso delle nostre live siamo morti innumerevoli volte, anche solo per affrontare un gruppo “da quattro soldi” di briganti. Al netto della mediocrità dell’interprete di turno (che se non ricordiamo male coincide con lo scrivente), è possibile constatare come la IA sia nettamente migliorata rispetto quanto visto nel 2018.

Quanto a progressione del personaggio siamo rimasti contenti a metà. I nani sono sempre pronti a forgiare nuove armi e armature per potenziare le statistiche base del nostro personaggio. Il tutto, però, si ferma sempre e solo alle Lame del Chaos, al Leviatano e allo scudo. Qualcosa cambia dopo l’incontro di Tyr, quando di fatto si vede il “vero” God of War Ragnarök. Sotto questo aspetto, ahinoi, delle importanti novità non sarebbero poi state così malvagie. Interessante, infine, la presenza delle mod delle armi che non si fermano solamente alle consuete rune.

Dimensione artistica: il “solo” rammarico della photo mode

Sia in passato, che nel corso di questa “nuova giovinezza” della saga di God of War, lo storico ed inossidabile sviluppatore americano non si è mai risparmiato alla voce “Dimensione Artistica”. Certo, siamo su un nuovo livello, quello della costruzione di un mondo di gioco, fruibile secondo le logiche open world. Non più mappe chiuse e livelli visitabili in successione, ma veri e propri ecosistemi da esplorare.

La “furbata” di quelli di Santa Monica Studios è stata solo una: farsi un mazzo nel corso della prima avventura. Il mondo di gioco realizzato nel 2018 era immenso, dettagliato e variegato. La nuova versione di Midgard prevede un inverno perenne che affligge ogni angolo del regno. Gli altri, invece, non sono più acceddibili attraverso la vecchia stanza del Bifrost. Sindri e Brok costruiscono una versione “portatile” del tunnel, a discapito del saggio Mimir.

In tutto questo bianco e ghiaccio, il viaggio tra i regni e un vero godimento per i sensi. Le musiche realizzate dal talentuoso compositore Bear McCreary vanno oltre quanto ascoltato nel 2018. Un viaggio nel viaggio, in grado di incitare alla battaglia per lasciarsi andare ad intensi momenti di distensione. Il tutto con l’ausilio della piena compatibilità al formato 3D Audio, grandissima presenza di God of War Ragnarök.

Il grande rammarico, almeno per chi in questo momento vi sta scrivendo, è stato quello di non poter immortalare alcun momento di gioco mediante la modalità fotografica. Per questo motivo non ci sentiamo di esprimere un parere oggettivo circa la qualità delle texture e dei dettagli dei personaggi, in quanto apprezzabili solo nel corso delle cut-scene e quindi non del tutto veritiere. Una scelta, questa, che ci ha lasciato del tutto spiazzati, anche perché nel 2018 la photo-mode era già presente e funzionante al lancio.

In conclusione

God of War Ragnarök non ha solamente soddisfatto le nostre aspettative, le ha bensì superate. Quando eravamo quasi certi di quello che avevamo visto, ed eravamo anche pronti a stilare le prime valutazioni di merito, è arrivato uno scossone che ha fatto andare all’aria quelle poche certezze costruite. Si inizia come ci eravamo lasciati nel 2018, e si prosegue con un bel grazie ai tempi che furono. Personaggi divini, con un interpretazione assolutamente fuori dalle righe. Tutti mostrano il loro lato caratteriale nel migliore dei modi, anche se Kratos ruba la scena come non mai. 

La storia, anche aiutata dalla presenza di un roster di personaggi di assoluto rilievo, è ben concepita. L’eredità da raccogliere era quella di un signore chiamato Cory Barlog, che in questa avventura ha vestito i panni di producer. Fare bene come nel 2018 non era una cosa facile. Non solo ci sono riusciti, ma siamo molto vicini all’aver fatto anche meglio. I motivi sono molteplici, anche se il grosso è da ricercare nel potenziale messo a disposizione da PS5. 

L’ammiraglia SONY concede a Santa Monica Studio le chiavi dell’immersione sonora e visiva. Audio 3D e la possibilità di spingerci sino a 120fps: come diceva la nota pubblicità, What else? Il grande rammarico è l’assenza della photo mode. Un vero e proprio peccato.