Ci sono giochi che arrivano in punta di piedi e giochi che sfondano la porta a calci: Nioh 3 appartiene decisamente alla seconda categoria. Dopo anni di silenzio — e qualche preoccupazione legata all’acquisizione di Team Ninja da parte di Microsoft — il terzo capitolo della saga è finalmente tra le nostre mani e porta con sé una delle proposte più ambiziose che il team giapponese abbia mai costruito.

Chi ha vissuto ha giocato al primo Nioh sa di cosa si tratta: un action-RPG di stampo orientale che ha preso il template dei giochi souls e lo ha rimescolato con il ritmo frenetico di Ninja Gaiden e il loop ossessivo del loot alla Diablo. Il secondo capitolo aveva raffinato quella ricetta senza stravolgerla — e molti lo considerano ancora oggi il picco della serie. Nioh 3 fa invece qualcosa di più coraggioso: apre il mondo, letteralmente.

Il risultato è un gioco immenso che mette sul tavolo un sistema di combattimento ancora più affinato del solito grazie alla nuova doppia anima da samurai e da ninja. Esplora regioni aperte ispirate a diversi periodi storici del Giappone, sfida il giocatore con boss brutali e una progressione di equipaggiamento capace di mandare in crisi anche i più navigati. Ma non è tutto rose e fiori: alcune scelte di design lasciano qualche dubbio e la storia continua a essere il tallone d’Achille della serie.

Nioh 3 è probabilmente il miglior capitolo della saga ma porta con sé anche alcuni dei difetti che da sempre affliggono questo universo. Vale la pena giocarlo? Assolutamente sì — ma con aspettative calibrate su ciò che è davvero e non su ciò che vorremmo che fosse.

Storia e Personaggi: il tempo come campo di battaglia

La narrativa di Nioh non ha mai brillato come il suo gameplay. Il primo capitolo seguiva William Adams — uno straniero nel Giappone feudale — in una avventura che mescolava storia reale e folklore yokai con una certa goffaggine. Il secondo aveva scelto un protagonista creato dal giocatore e una struttura più frammentata. Nioh 3 tenta qualcosa di più personale e più epico al tempo stesso.

Nei panni di Tokugawa Takechiyo — nipote del leggendario Tokugawa Ieyasu — ci ritroviamo a combattere per il titolo di shogun contro il fratello Tokugawa Kunimatsu. Un prologo che promette tensione emotiva e dinamiche familiari complesse, e per qualche ora quella promessa regge davvero. Il viaggio nel tempo che ne consegue porta il giocatore attraverso epoche diverse della storia giapponese — dal periodo Sengoku in poi — ognuna corrotta da creature yokai legate a una misteriosa sostanza chiamata Cruchinite e alle gigantesche entità note come Crogiolo.

Il problema è che dopo una partenza intrigante la storia tende a sgonfiarsi. Le implicazioni narrative del viaggio temporale restano sottoutilizzate e i personaggi secondari faticano a emergere. Il protagonista — pur personalizzabile nell’aspetto — non riesce mai a trasmettere quel peso drammatico che una storia di questa portata richiederebbe, finendo per non incidere in carisma. Rispetto al primo Nioh, dove William aveva almeno una traiettoria chiara, quella di Takechiyo arranca fino a un finale dell’ultimo quarto di gioco dove improvvisamente tutto torna a essere interessante. Ma forse è troppo tardi per conquistare l’interesse del giocatore.

Il confronto con i capitoli precedenti è abbastanza chiaro: la serie non è mai stata forte sul fronte narrativo e Nioh 3 non ribalta questa tendenza. Migliora la messa in scena e la qualità delle cutscene ma non risolve il problema strutturale di fondo.

PRO

• L’introduzione con la rivalità fraterna è una delle migliori opening della serie;
• Il viaggio nel tempo aggiunge varietà tematica e visiva alle ambientazioni;
• Le cutscene finali mostrano finalmente la maturità narrativa di cui il team è capace.

CONTRO

• La storia perde il filo per gran parte del percorso centrale;
•  I personaggi secondari restano abbozzati e difficilmente memorabili;
• Il potenziale del viaggio nel tempo è sfruttato solo parzialmente;
• Il protagonista personalizzabile sacrifica carattere sull’altare della libertà estetica.

Gameplay: due anime per un solo guerriero

Parliamo di ciò che Nioh 3 sa fare meglio di chiunque altro: il combattimento. Se nei capitoli precedenti il cuore del sistema era il Ki — la barra di resistenza da gestire con cura e da recuperare con il famoso Ki Pulse al momento giusto — qui tutto questo rimane ma viene affiancato da una novità che cambia tutto: lo stile doppio tra Samurai e Ninja.

La forma Samurai è quella che i fan conoscono: armi pesanti, postura robusta e un sistema di pose che permette di alternare tra attacchi veloci e colpi devastanti. La forma Ninja è una bestia completamente diversa. Più rapida, più evasiva e dotata di un arsenale di mosse acrobatiche — tra cui persino l’Izuna Drop di Ninja Gaiden — che trasformano ogni scontro in qualcosa di più cinetico e imprevedibile.

La chiave del sistema sta nell’interazione tra le due forme. Passare dal Samurai al Ninja nel momento giusto permette di deflettere attacchi altrimenti impossibili da parare. L’Arts Proficiency — un nuovo meccanismo che premia le combo eseguite con precisione — riduce il consumo di Ki e aumenta il danno man mano che si padroneggia il ritmo dello scontro. Quando tutto funziona – e si capisce davvero come alternare le due forme – il risultato è uno dei sistemi di combattimento più soddisfacenti degli ultimi anni.

Sul fronte dell’esplorazione Nioh 3 abbandona la struttura a missioni lineari dei predecessori per abbracciare un formato più aperto. Non è un open world (nel senso di Elden Ring) ma piuttosto una serie di vaste zone semi-aperte, ognuna con la propria identità visiva e decine di attività disseminate. La mappa inizia come una lavagna bianca: più si esplora più si sbloccano informazioni sui punti d’interesse nelle vicinanze, creando un incentivo costante a muoversi e curiosare.

Il loot — altra costante della serie — rimane abbondantissimo forse fin troppo. La pioggia incessante di equipaggiamento, dopo ogni scontro e ogni boss, è gratificante ma la gestione dell’inventario può diventare un lavoro a sé stante. Chi non ama passare minuti a confrontare statistiche su statistiche potrebbe sentirsi sopraffatto.

La difficoltà è stata leggermente rimodulata rispetto a Nioh 2, grazie alle zone aperte che permettono di esplorare e potenziare il personaggio prima di affrontare i boss più ostici. Due compagni di viaggio — che a differenza del passato restano al proprio fianco per tutta l’avventura — aiutano ulteriormente a rendere l’esperienza meno punitiva, senza snaturare la sfida di fondo.

PRO

• Il sistema doppio Samurai/Ninja è la migliore aggiunta al combat della serie;
• Le zone aperte bilanciano bene libertà di esplorazione e densità di contenuto;
• Il sistema di mappa progressiva incentiva l’esplorazione in modo intelligente;
• I compagni permanenti rendono l’esperienza più coinvolgente senza snaturare la sfida;
• La difficoltà è più accessibile per i nuovi arrivati pur mantenendo mordente per i veterani.

CONTRO

• Il loot è eccessivo e la gestione dell’inventario può diventare frustrante;
• I boss — pur tosti — non raggiungono il livello di memorabilità dei migliori soulslike;
• I Burst Breaks risultano sottopotenziati rispetto alle altre opzioni difensive;
• Le attività nelle zone aperte si ripetono nel tempo diventando meccaniche;
• La varietà nemica risente troppo del riciclo dal secondo capitolo.

Dimensione artistica: il Giappone degli yokai come non si era mai visto

Uno degli aspetti che non ha mai fatto difetto alla serie Nioh è il comparto artistico. Il folklore giapponese — con i suoi demoni colorati, le sue armature lacerate dalla corruzione e i suoi paesaggi a metà tra il terreno e l’ultraterreno — offre una tavolozza visiva inesauribile. Nioh 3 sfrutta questo patrimonio meglio di qualsiasi capitolo precedente.

Le varie epoche storiche, attraversate dal protagonista, offrono ambienti radicalmente diversi tra loro: castelli e campi di battaglia del periodo Sengoku si alternano a paesaggi lacustri contaminati dal Crucinite blu, dove gli yokai sembrano fatti di pura energia instabile. Ogni regione ha un suo carattere cromatico preciso e l’illuminazione dinamica — particolarmente evidente nelle aree notturne e nei templi corrotti — è di qualità notevolmente elevata su PS5.

I design dei nemici continuano a essere uno dei punti di forza assoluti. Anche quando si rivedono creature già incontrate nei capitoli precedenti, la loro realizzazione visiva rimane di primo livello. I boss, in particolare, mostrano un livello di dettaglio e di animazione che li rende sempre esaltanti da guardare, anche quando il design non è all’altezza del combattimento che propongono.

Il comparto sonoro merita una menzione speciale. La colonna sonora mescola percussioni tradizionali giapponesi a composizioni orchestrali, con un risultato che accompagna perfettamente il ritmo feroce degli scontri senza mai sembrare fuori posto. Il doppiaggio in giapponese è eccellente e si consiglia vivamente di giocare con questa opzione. La versione inglese risulta sensibilmente meno convincente e toglie qualcosa all’atmosfera complessiva. Gli effetti sonori degli impatti delle armi e dei colpi dei Ki Pulse sono precisi e soddisfacenti e contribuiscono al feedback viscerale del combat.

PRO

• Il design degli ambienti è il più vario e ispirato dell’intera serie;
• L’illuminazione su PS5 raggiunge momenti di grande qualità visiva;
• Il design degli yokai — inclusi i boss — è creativo e memorabile sul piano estetico;
• La colonna sonora si integra perfettamente con il ritmo degli scontri;
• Il doppiaggio giapponese è di ottimo livello e migliora l’immersione.

CONTRO

• Il doppiaggio inglese è al di sotto degli standard e sconsigliato per chi vuole immergersi nella storia;
• Alcune aree mostrano un livello di dettaglio inferiore rispetto alle zone principali;
• Il riciclo di modelli nemici da Nioh 2 è visibile e riduce la sorpresa esplorativa.

Conclusione: un gigante imperfetto che non si dimentica

Nioh 3 è esattamente il tipo di gioco che divide: chi si avvicina sperando in una rivoluzione totale uscirà con sentimenti contrastanti, chi invece accetta di incontrare la serie dove si trova — consapevole dei suoi pregi strutturali e dei suoi difetti cronici — troverà uno dei soulslike più riusciti e completi degli ultimi anni.

Team Ninja ha fatto qualcosa di coraggioso, aprendo il mondo della serie senza perdere quella ferocia tattica che la distingue da tutto il resto. La doppia forma Samurai/Ninja non è solo una trovata di marketing ma un’aggiunta che ridefinisce il modo in cui si pensa ogni singolo scontro. L’esplorazione finalmente respirabile aggiunge un livello di coinvolgimento che i capitoli precedenti non avevano. E il risultato complessivo — anche con il loot caotico, i boss anonimi e la storia ondivaga — è un gioco difficile da smettere di giocare.

Il paragone con Elden Ring è inevitabile ma anche parzialmente fuorviante: Nioh 3 non vuole essere Elden Ring. Vuole essere Nioh ma in grande e per la maggior parte del tempo ci riesce magnificamente. È più accessibile del secondo capitolo, più massiccio del primo e più ambizioso di entrambi.

Carmageddon è tornato. E stavolta lo ha fatto in punta di piedi ma con il pedale dell’acceleratore premuto fino in fondo. Rogue Shift non è il quarto capitolo numerato che molti veterani della serie aspettavano da anni, è invece uno spin-off che prende la formula storica del racing distruttivo e la mescola con le meccaniche roguelite che vanno tanto di moda negli ultimi tempi. Il risultato? Un gioco che sa esattamente cosa vuole essere: frenetico, esplosivo e pensato per sessioni veloci dove la strategia conta quanto la mira del lanciarazzi montato sul tettuccio della tua macchina blindata.

La premessa è semplice quanto efficace. Ci ritroviamo catapultati in un mondo post-apocalittico infestato da zombie, dove l’unica legge è quella della strada e l’unico modo per sopravvivere è correre come se non ci fosse un domani (mentre facciamo a pezzi tutto quello che ti capita davanti al cofano). Ogni partita è una run composta da diversi stage dove scegliere il percorso migliore tra eventi casuali, negozi per potenziare l’auto e boss fight che rappresentano i momenti più adrenalinici di ogni sessione.

I punti di forza sono chiari fin dalle prime ore di gioco. Il gameplay è immediato e appagante, con un sistema di combattimento veicolare che funziona alla grande. Le esplosioni sono spettacolari, la sensazione di impatto – quando ci si shianta addosso ad un avversario – è solida e la progressione permanente ci spinge a fare “ancora una run” (anche quando sappiamo che è arrivato il momento di spegnere la console e andare a nanna). Il roguelite si integra bene con la struttura classica delle corse distruttive e ogni partita ci lascia qualcosa di nuovo da sbloccare o sperimentare, limando l’eccessiva punitività del genere.

Dall’altro lato, però, emergono alcuni limiti strutturali che dopo qualche ora cominciano a farsi sentire. La varietà degli eventi è piuttosto limitata e la mancanza di modalità alternative – o di un vero multiplayer – si sente parecchio. Il sistema di danneggiamento dei veicoli non è spettacolare come ci si aspetterebbe da un titolo che porta il nome Carmageddon e la componente narrativa è quasi inesistente. Il prezzo di lancio, poi, è forse leggermente eccessivo rispetto alla mole dei contenuti offerti.

Ma andiamo con ordine e vediamo nel dettaglio cosa funziona e cosa no in questo ritorno sulle strade dell’apocalisse zombie, con la nostra recensione di Carmageddon: Rogue Shift, sviluppato dall’italianissima 34BigThings.

Storia e personaggi: l’apocalisse…su 4 ruote

Non aspettatevi una trama complessa o personaggi memorabili. Carmageddon: Rogue Shift usa la narrativa come un semplice collante per giustificare il caos che state per scatenare. Il mondo è andato a rotoli, gli zombie hanno preso il sopravvento e le strade sono diventate l’ultimo terreno di scontro per bande di sopravvissuti armati fino ai denti.

Il gioco ci mette nei panni di uno di questi piloti senza nome che deve farsi strada attraverso orde di non-morti e rivali umani ancora più pericolosi. Non ci sono cutscene elaborate né dialoghi profondi. Tutto quello che serve sapere lo si comprende dai brevissimi testi che introducono gli eventi e dalle ambientazioni che parlano da sole.

I boss rappresentano l’unico elemento narrativo degno di nota. Ogni “capo zona” ha un design distintivo e un veicolo unico che lo caratterizza. Questi scontri sono i momenti più curati dal punto di vista della presentazione e offrono quella sensazione di progressione che la storia principale non riesce a trasmettere. Sconfiggere un boss significa aver conquistato una zona e avanzare verso nuove sfide sempre più impegnative.

L’ambientazione post-apocalittica funziona bene come contenitore visivo ma rimane sempre sullo sfondo. Le location sono varie e vanno dalle città in rovina ai deserti radioattivi passando per basi militari abbandonate. Ogni zona ha una sua identità estetica ma non viene mai approfondita. Sarebbe stato interessante avere qualche frammento di lore nascosto o collezionabile che raccontasse come mai il mondo sia finito in malora.

La scelta di sostituire i pedoni umani con gli zombie è chiaramente una mossa per rendere il gioco più “politically correct” nell’anno domini di competenza. I vecchi Carmageddon erano famosi (o famigerati) proprio per la possibilità di investire persone innocenti. Qui quella componente controversa viene diluita con i non-morti che diventano bersagli “eticamente neutri”. Funziona? Sì. È meno trasgressivo? Assolutamente. Ci manca il mood del passato? Domanda scomoda (con una risposta scontata, per i gamer più stagionati).

PRO:

• Ambientazione post-apocalittica visivamente efficace;
• Boss fight ben caratterizzati con veicoli unici;
• Location varie che offrono scenari diversificati;
• Gli zombie come bersagli funzionano nel contesto roguelite.

CONTRO:

• Trama praticamente inesistente;
• Nessun personaggio memorabile o carismatico;
• Assenza totale di lore o elementi narrativi nascosti;
• La componente trasgressiva della serie storica è stata “annacquata”;
• Zero cutscene o momenti cinematografici.

Gameplay: dove il gioco dà il meglio di sé

Qui sta il cuore pulsante dell’esperienza. Carmageddon: Rogue Shift è prima di tutto un gioco che si diverte a giocare e questa sensazione si trasmette perfettamente al giocatore. Ogni run inizia con la scelta del veicolo tra quelli sbloccati e una mappa ramificata che mostra i possibili percorsi da seguire.

La struttura roguelite funziona così. Attraversiamo una serie di nodi sulla mappa, dove ogni nodo rappresenta un evento diverso. Può essere una corsa classica, dove arrivare primi, una sfida di sopravvivenza dove resistere a ondate di nemici, un checkpoint race o uno scontro diretto contro un mini-boss. Ogni tanto incontriamo anche negozi dove spendere la valuta raccolta durante la run per comprare armi nuove, riparazioni o potenziamenti temporanei.

Il sistema di combattimento veicolare è sorprendentemente solido. Abbiamo a disposizione diverse armi montabili sulla macchina, che vanno dai classici mitragliatori ai lanciarazzi, passando per mine, EMP e armi più esotiche come i laser. Ogni arma ha un comportamento specifico e comprenderne i suoi “vizi e virtù” fa la differenza tra una run vincente e un game over anticipato. La sensazione di impatto quando colpiamo un nemico è ottima e le esplosioni riempiono lo schermo in modo gratificante.

La guida è arcade al 100%. Niente simulazione o fisica realistica, si tratta di premere l’acceleratore, usare il freno e il drift per affrontare le curve e centrare i nemici a suon di sportellate e frontali (quando siamo a corto di munizioni). I veicoli hanno una guidabilità diversa tra loro: alcuni sono veloci ma fragili, altri sono carri armati lenti ma indistruttibili. Questa varietà ci spinge a sperimentare e trovare lo stile di guida che più ci aggrada, ma tocca scendere in pista per saggiare il reale potenziale della quattroruote.

La progressione permanente è uno degli elementi più riusciti. Anche quando finiamo al creatore e la run finisce male, torniamo al menu principale con una valuta speciale che possiamo investire in upgrade permanenti. Possiamo sbloccare nuovi veicoli, aumentare la salute base di tutte le auto, migliorare il danno delle armi o ridurre i costi nei negozi. Questo sistema fa sì che ogni partita ci faccia sentire leggermente più forte della precedente e incentiva il classico “ancora una volta” che caratterizza i migliori roguelite.

Le boss fight meritano un discorso a parte perché rappresentano i picchi qualitativi del gameplay. Questi scontri ci mettono di fronte a veicoli speciali pilotati da avversari con pattern di attacco precisi. Dobbiamo imparare a schivare i loro colpi più potenti mentre troviamo le finestre di opportunità per contrattaccare. Sono impegnativi ma mai ingiusti e sconfiggerli dà una soddisfazione notevole. Peccato solo che siano pochi e dopo qualche run cominciamo a rivederli ciclicamente.

Il problema più grande del gameplay è la mancanza di varietà sul lungo periodo. Le tipologie di evento sono limitate a una manciata e dopo 5-6 ore di gioco abbiamo già visto tutto quello che il titolo ha da offrire. Non ci sono modalità alternative, niente sfide settimanali, nessuna classifica online e soprattutto nessuna modalità multigiocatore (né locale e né online). Per un gioco del genere questa è una mancanza pesante che limita drasticamente la sua longevità.

Anche l’intelligenza artificiale degli avversari è altalenante. A volte sembrano piloti competenti che tengono testa fino all’ultimo, altre volte si suicidano “malissimo” schiantandosi contro i muri o si fermano inspiegabilmente in mezzo alla pista offrendo il loro posteriore. Il rubber banding – ovvero la tecnica basata su IA che aumenta la velocità degli avversari distanziati per tenerli incollati al giocatore – è visibilmente marcato: se siamo troppo avanti gli avversari accelerano innaturalmente per raggiungerci. Se siamo troppo indietro invece rallentano per darci una chance. È un sistema vecchio e trasparente che spezza l’immersione, anche se fornisce un piccolo tocco di vintage all’intera produzione.

PRO:

• Sistema di combattimento veicolare solido e appagante;
• Struttura roguelite ben integrata con la formula racing;
• Progressione permanente che funziona alla grande;
• Boss fight impegnative e divertenti.

CONTRO:

• Scarsa varietà di eventi dopo le prime ore;
• Assenza totale di multiplayer online o locale;
• Nessuna modalità alternativa alla campagna roguelite;
• IA degli avversari troppo altalenante.

Dimensione artistica: un’apocalisse colorata

Visivamente parlando, Carmageddon: Rogue Shift fa il suo dovere senza eccellere. Lo stile grafico punta su colori saturi e design volutamente caricaturale che richiama i fumetti post-apocalittici degli anni ’80. Le ambientazioni sono varie e ognuna ha una sua palette distintiva: dal giallo desertico delle lande desolate al grigio industriale delle città in rovina, fino al verde tossico delle zone radioattive.

I veicoli sono ben modellati, con un design che bilancia realismo e fantascienza. Ogni auto ha una personalità visiva precisa e le armi montate sopra si integrano bene nell’estetica generale. Gli zombie sono generici ma funzionali: il loro scopo è riempire le strade e volare in aria quando li investiamo. Il vero protagonista visivo sono gli effetti particellari: esplosioni, scintille, detriti e fiamme riempiono costantemente lo schermo durante le corse più concitate. Su console PS5, il gioco mantiene un frame rate solido anche nei momenti più caotici. La fluidità è fondamentale per un titolo del genere e su questa piattaforma non delude.

Il sistema di danneggiamento è uno dei punti deboli dal punto di vista tecnico. I veicoli accumulano graffi e ammaccature durante gli scontri ma il modello di deformazione è basilare. Non vedrete mai auto che si accartocciano realisticamente o parti che si staccano in modo convincente. Per un gioco che si chiama Carmageddon – e che fa della distruzione il suo punto di forza – questo rappresenta un vero rammarico. I primi titoli della serie erano famosi proprio per come le macchine si sfasciavano in modo spettacolare.

Sul fronte sonoro il gioco è funzionale ma non memorabile. La colonna sonora è composta principalmente da tracce rock e metal che accompagnano l’azione senza mai emergere davvero. Nessun brano resta in testa dopo aver spento il gioco. Gli effetti sonori invece fanno il loro lavoro: i motori ruggiscono, le esplosioni tuonano e gli impatti hanno un peso sonoro adeguato. Manca però quel livello di polish che distingue una buona implementazione audio da una eccellente.

PRO:

• Stile grafico colorato e caratteristico;
• Effetti particellari spettacolari;
• Design dei veicoli riuscito e vario;
• Ambientazioni diverse con palette distintive.

CONTRO:

• Sistema di danneggiamento veicoli troppo basilare;
• Colonna sonora anonima e dimenticabile;
• Zombie generici senza particolare cura nei dettagli;
• Manca il livello di polish di produzioni AAA.

Conclusione: un ritorno riuscito ma con margini di miglioramento

Carmageddon: Rogue Shift è un gioco che sa quello che vuole essere e lo fa con convinzione. È uno spin-off arcade e roguelite che prende la formula storica della serie e la reinventa. Il gameplay è solido, la struttura roguelite si integra bene e il loop di gioco funziona per quello che promette: sessioni veloci e caotiche dove fai esplodere tutto quello che si muove.

I punti di forza sono evidenti. Il combattimento veicolare è appagante e immediato. La progressione permanente ci spinge a fare ancora una run anche quando sappiamo arrivato il momento di staccare. Le boss fight sono i momenti più alti dell’esperienza. La grafica colorata e gli effetti particellari spettacolari fanno il loro dovere. Dall’altro lato però ci sono limiti strutturali che non si possono ignorare. La varietà degli eventi è limitata e dopo qualche ora cominciamo a vedere sempre le stesse situazioni. L’assenza totale di multigiocatore online o locale è una mancanza pesante per un gioco di corse distruttive. Il sistema di danneggiamento basilare delude rispetto alle aspettative legate al nome Carmageddon.

Chi dovrebbe comprare questo gioco? Se amate i roguelite e i racing arcade questo è un acquisto consigliato. Se cercate un’esperienza frenetica da giocare a piccole dosi tra una sessione e l’altra Rogue Shift fa al caso vostro. Se siete fan della serie storica e volete vedere come si è evoluta la formula preparatevi ad accettare cambiamenti significativi.

C’era una volta — molto prima delle ascie e degli dèi norreni — un ragazzo che imparava a diventare un mostro. Non era ancora il Fantasma di Sparta, non aveva ancora sangue sulle mani e cenere sulla pelle. Era solo un ragazzo che correva tra i templi della Laconia cercando di capire cosa significasse essere uno spartano. God of War: Sons of Sparta arriva come un progetto inaspettato: shadowdroppato durante uno State of Play di febbraio 2026 senza preavviso e senza il tempo di costruire aspettative. Il risultato è un gioco che si lascia giocare con piacere ma che fatica a lasciare il segno nel modo in cui ci si aspetterebbe da un nome così pesante.

Il gioco è sviluppato principalmente da Mega Cat Studios — una software house specializzata in produzioni in stile retrò — con la supervisione di Santa Monica Studio. La scelta racconta già tutto: questo non è un titolo tripla-A ma un progetto più contenuto, pensato per esplorare una parte della storia di Kratos che non abbiamo mai visto. Un prequel ambientato prima di tutto: prima del tradimento, prima della furia e prima della leggenda.

I punti di forza emergono presto. La storia del rapporto tra Kratos e il fratello Deimos funziona meglio di quanto ci si potesse aspettare, la colonna sonora è una sorpresa concreta e il combat system migliora sensibilmente con l’avanzare del gioco. Detto questo però i problemi non mancano: il primo paio d’ore è lento e fatica a convincere e la violenza — marchio di fabbrica del franchise — risulta qui addomesticata fino a sembrare quasi irriconoscibile. Il gioco, come metroidvania, non introduce nulla che il genere non abbia già visto e rivisto.

Tra pro e contro, scopriamo il racconto della nostra esperienza nella recensione di God of War: Sons of Sparta, giocato, vi ricordiamo, nella sua versione per console PS5.

Storia e personaggi: fratelli di sangue e di Sparta

La struttura narrativa di Sons of Sparta è forse la sua scelta più intelligente. Un Kratos adulto — la voce inconfondibile di TC Carson che torna al ruolo per la prima volta dai tempi di Ascension — racconta la storia alla figlia Calliope. Chi conosce la saga sa già come va a finire quella relazione. Questo livello di malinconia nascosta sotto la superficie della narrazione è esattamente il tipo di profondità emotiva che ci si aspetta da questo franchise.

La vicenda in sé è semplice: un giovane Kratos e il fratello minore Deimos — due cadetti dell’Agoghé spartano — decidono di mettersi sulle tracce di Vasilis un loro compagno di addestramento misteriosamente scomparso. Da questo pretesto abbastanza modesto parte un’avventura che attraversa la regione della Laconia tra templi, biomi variegati e creature mitologiche. La trama non mira all’epicità dei capitoli principali e fa bene a non provarci: quello che offre invece è qualcosa di più intimo.

Il cuore del racconto è il contrasto tra i due fratelli. Kratos ragazzo è rigido disciplinato ossessionato dalle regole dell’Agoghé: per lui il codice spartano non è negoziabile. Deimos è l’opposto — impulsivo emotivo pronto a seguire l’istinto anche quando questo significa infrangere ogni regola. La dinamica funziona perché è credibile: chiunque abbia avuto un fratello o una sorella riconoscerà qualcosa in quel modo di punzecchiarsi continuamente mentre si affronta il pericolo insieme. Il loro scambio di battute è spesso genuinamente divertente e regala alcuni momenti di leggerezza rari nel tono solitamente cupo della saga.

Dove la narrativa inciampa è nella mancanza di una vera posta in gioco. Vasilis non è un personaggio abbastanza sviluppato da giustificare l’intera avventura come motore emotivo principale. Le minacce che i due fratelli incontrano sono concrete sul piano del gameplay ma raramente trasmettono un senso di pericolo reale sul piano della storia. Il rapporto tra i due è il punto di forza ma l’obiettivo narrativo, che li spinge avanti, è troppo piccolo per reggere il peso di un’intera avventura.

Il terzo atto accelera verso il finale in modo un po’ brusco, lasciando alcune domande senza risposta soddisfacente. Ma i momenti migliori — quelli in cui Kratos, il narratore adulto fa trapelare qualcosa di più pesante di quello che le parole dicono — sono da brividi per chi conosce quello che verrà.

PRO

• Il doppio livello narrativo con Kratos adulto narratore aggiunge profondità emotiva silenziosa;
• La dinamica tra i due fratelli è credibile e funziona sia nei momenti seri che in quelli leggeri;
• Il contesto dell’Agoghé spartano è reso con cura storica e mitologica convincente.

CONTRO

• Vasilis come catalizzatore narrativo è troppo debole per reggere il peso di tutta l’avventura;
• Il terzo atto brucia le tappe sacrificando la respirazione emotiva a vantaggio del ritmo;
• Alcune sottotrame secondarie vengono abbandonate senza una chiusura degna.
• 

Gameplay: greco antico con meccaniche (quasi) moderne

Sons of Sparta è un metroidvania nella sua forma più classica e onesta. La regione della Laconia è una mappa interconnessa composta da 21 aree, con biomi distinti che si attraversano andando avanti e tornando indietro man mano che si acquisiscono nuove abilità. La struttura è pulita e leggibile: difficile perdersi, anche perché il mondo di gioco è volutamente contenuto e l’obiettivo è sempre ben indicato.

Il combat system parte da una base semplice — attacchi base con lo scudo e la lancia più i Doni dell’Olimpo come abilità speciali — e si espande con l’avanzare delle ore. Ed è proprio in questo eccesso di semplicità che si annida il primo grande dilemma dietro al gameplay: le prime ore sono terribilmente piatte. Una routine che vede sempre la solita solfa bloccare-schivare-attaccare, bloccare-schivare-attaccare. Non c’è abbastanza varietà iniziale per rendere gli scontri stimolanti e chi non ha la pazienza di aspettare rischia di mollare troppo presto. Le prime quattro ore sono le meno convincenti dell’intera esperienza. Se si resiste, però, si viene ricompensati.

La svolta arriva intorno alla metà del gioco, quando il sistema di combo – tramite i modificatori L1 e R1 – comincia a dispiegarsi davvero. Da quel punto gli scontri acquistano una complessità soddisfacente che richiede lettura dei pattern nemici e scelte sul momento. Le boss fight sono il momento in cui il gioco dà il meglio di sé: ognuno ha fasi distinte e richiede un approccio specifico invece del solito button smashing.

Il sistema di progressione mescola gli orb di sangue classici della saga greca con una struttura di equipaggiamento più vicina ai capitoli moderni. Il risultato è “familiare” per i fan di lunga data ma non particolarmente incisivo: i potenziamenti sono utili ma raramente cambiano il ritmo del gioco in modo significativo. In generale, lo skill tree si presenta come troppo “conservativo”.

Un capitolo a parte merita la questione della violenza. God of War — specialmente la saga greca originale — era noto per le sue finisher spettacolari e per una brutalità visiva esplicita che era parte integrante dell’identità del franchise. Sons of Sparta sceglie deliberatamente di addomesticare tutto questo. Gli scontri non hanno l’impatto fisico che ci si aspetta e non ci sono esecuzioni memorabili. La violenza è presente ma sterilizzata, una scelta comprensibile per un gioco che racconta un protagonista più giovane ma che lascia comunque un senso di “qualcosa che manca”.

L’esplorazione è piacevole ma non brillante. I puzzle ambientali sono presenti e sufficientemente variati ma non offrono mai quella soddisfazione da eureka che i migliori esponenti del genere sanno regalare. Il viaggi rapidi arriva troppo tardi — quasi alla fine dell’avventura — rendendo il backtracking nelle fasi intermedie più noioso del necessario.

PRO

• Il combat system nella sua fase matura è solido e soddisfacente con una varietà di combo apprezzabile;
• Le boss fight sono strutturati per fasi e richiedono lettura e adattamento;
• La progressione mescola bene il sistema classico degli orb con quello più moderno dell’equipaggiamento;
• Il level design non è labirintico ma connette bene le aree senza mai disorientare.

CONTRO

• Le prime quattro ore sono lente piatte e faticose: il gioco impiega troppo a carburare;
• La violenza è addomesticata rispetto agli standard della saga e l’assenza di finisher spettacolari si fa sentire;
• Il viaggio rapido utile arriva troppo tardi rendendo il backtracking intermedio faticoso
• Deimos è presente nella storia ma assente nel combattimento: una scelta difficile da giustificare;
• L’albero delle abilità è conservativo e raramente produce momenti di svolta nel gameplay.

Dimensione artistica: pixel con ambizioni (e qualche Limite)

Lo stile visivo di Sons of Sparta è probabilmente l’aspetto più divisivo dell’intera produzione. Mega Cat Studios ha scelto un’estetica pixel art che richiama God of War: Betrayal del 2007 (l’unico capitolo mobile della saga originale). L’intenzione è chiara: un ritorno visivo alle origini che si abbini al ritorno narrativo alle origini di Kratos. Il problema è che questa scelta si porta dietro un’esecuzione che ha del “divisivo”.

Le aree principali — i templi, i boschi e le rovine — hanno una certa coerenza estetica e un uso del colore che funziona. Ma alcune zone secondarie mostrano una cura del dettaglio inferiore e il risultato complessivo è quello di una produzione che oscilla tra momenti visivamente riusciti e altri che sembrano lasciati a metà. La direzione artistica nella sua impostazione di fondo è comunque rispettabile. I nemici iconici del pantheon greco — Meduse, Gorgoni, Minotauri e Satiri — sono resi con una fedeltà stilistica apprezzabile per i fan della saga classica. C’è un evidente fanservice in questa scelta e funziona: rivedere quelle creature in questo formato retrò ha un suo fascino specifico che non dipende dalla qualità tecnica ma da qualcosa di più emotivo.

Dove il gioco non fa passi falsi è nella colonna sonora. È il punto di forza più trasversale dell’intera produzione: sorprende per qualità in un titolo di questa portata. Le tracce accompagnano ogni fase dell’avventura con un’intensità che sa quando spingere e quando fermarsi. I momenti di silenzio o di musica minimale sono scelti con intelligenza. Le percussioni, durante i combattimenti, hanno un peso che il gameplay non sempre riesce a restituire sul piano visivo. Una sorpresa, se parametrata allo sforzo produttivo generale, ma la cifra stilistica è inconfondibile: stiamo pur sempre parlando di God of War, non dimentichiamolo.

PRO

• La colonna sonora è di qualità superiore alle aspettative per un progetto di questa dimensione;
• Il fanservice visivo con i nemici classici della saga greca funziona per i fan storici;
• La coerenza stilistica nelle aree principali mantiene un’identità visiva riconoscibile.

CONTRO

• L’estetica pixel art divide e alcune zone secondarie mostrano una cura del dettaglio insufficiente;
• La direzione artistica preferisce l’omaggio nostalgico all’originalità visiva vera e propria;
• L’assenza di animazioni di esecuzione spettacolari toglie impatto visivo agli scontri.

In conclusione

Sons of Sparta è un gioco onesto. Non cerca di essere qualcosa che non è, o almeno non del tutto. È una storia più piccola raccontata con mezzi più contenuti su un personaggio che siamo abituati a vedere in dimensioni enormi. E in questa onestà c’è un suo valore specifico.

Il gioco funziona meglio come tassello narrativo che come esperienza di gameplay autonoma. Se siete fan della saga — e siete stati testimoni dei tragici eventi vissuti nel primo God of War e avete pianto con Kratos nel 2018 — qui trovate qualcosa che aggiunge strati di significato a un personaggio che già amate. La struttura, con Kratos narratore adulto che racconta alla figlia ignara del destino che l’attende, è il tipo di scelta che fa un certo effetto e che richiede di conoscere la storia per funzionare davvero.

Se invece siete cacciatori di metroidvania di qualità e avete già giocato Prince of Persia: The Lost Crown o Hollow Knight aspettatevi qualcosa di meno ambizioso. Sons of Sparta non vi darà quel senso di scoperta e di progressione che i migliori esponenti del genere sanno regalare. È un metroidvania solido ma scolastico. Funziona senza mai sorprendere, e in un genere dove la sorpresa è una delle valute principali questo conta.

La valutazione finale dipende molto da dove ci si posiziona. Fan della saga? Vale i 30 euro richiesti e offre qualcosa di genuinamente commovente nei suoi momenti migliori. Cercatori del prossimo grande metroidvania? Probabilmente ci sono scelte migliori sul mercato. Curiosi che vogliono una storia di God of War a basso rischio economico? Anche qui la risposta è sì, purché si abbia la pazienza di resistere alle prime ore.

Sons of Sparta è il tipo di gioco che tra qualche anno verrà ricordato più per quello che rappresenta — l’inizio di una tendenza verso produzioni PlayStation più focalizzate e accessibili — che per quello che è. Ed è possibile che nel contesto di una saga che sta per tornare con un remake della trilogia greca originale questo capitolo acquisterà un significato ancora maggiore. Per ora però rimane quello che è: un racconto di formazione gradevole ma prudente.